febrero 24, 2009

DISCO NUEVO
Dear John - Loney, Dear

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¿Qué hay en un año? Amores y pérdidas, triunfos y fracasos, muerte y vida; sobretodo, vida.


Para Emil Svanängen, mejor conocido como Loney, Dear, transcurrieron dos años entre su disco debut, Loney, Noir, y su segundo esfuerzo llamado Dear John.


Solamente podemos conjeturar qué le habrá pasado a este sueco de voz delgada en este periodo de tiempo, con un poco de ayuda de los posts que ha escrito en su blog: dolor, duda, bloqueo creativo y finalmente, la necesidad imperante de crear música que él considere “nueva y emocionante”.


En Dear John están plasmados estos sentimientos, que hacen del disco un trabajo mucho más oscuro y profundo que su sucesor. Si acaso encontramos en algunas canciones al Loney, Dear que conocimos, dulce y enamorado, en la mayor parte descubrimos otra faceta más peligrosa, incluso autodestructiva en su confusión emocional.


Dear John no sólo cumple la promesa creativa de un disco debut sobresaliente, afianza a Svanängen como un músico comprometido con su oficio. Sus composiciones son extravagantes, por momentos difíciles de asimilar dentro de una sencilla canción de pop. Aquí se suman a la guitarra acústica los arreglos electrónicos, bandas de viento, pequeños glockenspiels de ensueño. Hay rincones sumamente lindos y otros casi aterrorizantes.


Emil Svanängen es, sin duda, un músico virtuoso. Esto puede ser una razón para desconfiar de él, pero el resultado no es el del puro ejercicio manual y mecánico; en su genialidad, ha creado un disco extremadamente emotivo y doloroso. Las sensaciones que transmite no podrían ser fingidas o afectadas. En cada segundo de esta producción se huele, se escucha, se siente y se ve la vida de una persona real sufriendo como todos nosotros.


Dear John es una carta abierta al recipiente anónimo, el John Doe que quiera escuchar y compartir un llanto desesperado, un susurro atemorizado o un grito extasiado; arte hermosísimo y nada más.


Dear john

Dear John - Loney, Dear

2009

agosto 11, 2008

RESEÑA
All Points West Music Festival @ NYC

Hay fino y también hay fino.

All Points West estuvo retefino.

Se antojaba sabroso ya de entrada, prometiendo dos noches de Radiohead seguidas y una locación inigualable, con el skyline más famoso del mundo al fondo.

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Resultó eso y más.

Porque el viaje obliga a ir a los museos, visitar los parques, recorrer la ciudad, pasársela verdaderamente chévere. Eso le falta a los Austin City Limits o los Coachellas (tan cerca de Tijuana y tan lejos de Manhattan).

Aquí las cosas se hacen con clase o nada más no se hacen. Los nativos han visto tanto que pocas cosas los sorprenden. APW debía estar al nivel.



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Primera parada: un puerto cerca del distrito financiero. Ahí se abordaba un ferry que nos recordó bellas escenas del Caballero de la Noche. Aunque la gente llenaba el pequeño embarcadero, no se esperaba mucho tiempo para navegar.

Con el estilo de un bicicletero en el Foro Sol, el transbordador te daba un ride al otro lado de la bahía –del lado de New Jersey para ser exactos– mostrando la ciudad a lo lejos.


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Bienvenidos a Liberty Park: sencillo, pero bonito (como argentino). Unos cuantos andadores para correr y áreas verdes, dando la espalda a la Estatua de la Libertad.

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All Points West revistió esto con tres escenarios mas bien chicos, pero potentes, y unas cuantas tiendas de comida, mercancías e instalaciones artísticas.

Una pena que los horarios se empalmaran todos. Había que perderse a muchas bandas forzosamente.

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Lo positivo es que eso obliga al individuo insaciable a practicar la meditación, la contemplación y sobretodo, a ejercitar los esfínteres para sobrevivir un atorón en el Segundo Piso del Periférico.

De esas pocas bandas, un pequeño resumen:


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Los Mates of State son divertidos, no más que eso. De un solo chiste, gustaron pero se volvieron repetitivos muy rápido. Escuchar Fraud in the 80’s fue un gran comienzo de festival.



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New Pornographers, muy buen show. Para haber sido las 4 y con lluvia amenazando la tarde, se rifaron una gran hora de rock ligero y pegajoso. Bromistas y acompañados por Neko Case, seguía la mata dando.



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Duffy es tan ñe como su nombre. Algunos bailaban con su soul estudiado, pero como diría George Harrison: "Eso ya se ha visto".



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Underworld rockeó pesado. Los olores de mariguanas potentísimas llenaban el aire, y las güeritas en minishorts bailaban libres al ritmo del dance. Me dicen que CSS también estuvo bueno, pero no hubiera cambiado ese momento por nada del mundo.



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Chromeo. Un poco tarde pero llegamos a oír buen techno pop guapachoso, iniciando bien el segundo día, ¡más caluroso que el anterior! La Estatua se veía abrumada.



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Metric fue estupendo. Emily Haines iba entallada en un body dorado y tocaron con pasión. Buenas canciones: Monster Hospital, Combat Baby, Dead Disco y cerraron con una gran interpretación de Live it Out.



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Animal Collective capturó a la gente con su art-rock de primera categoría. Aunque su show es prácticamente nulo, las texturas y atmosferas que crean son ya referencia obligada. El volumen incrementó sustancialmente permitiendo una experiencia ponedora.



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Kings of Leon fueron un martirio. Había que chutárselos para estar en buen lugar y ni modo. Estos cristianos sólo prenden a los alimentados con una dieta estricta de los Duques de Hazard, Bud Light y acostones con su hermana. Y a unos cuantos mexicanos que creen que eso es kool, wey. Inicia música Marlboro.



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Y finalmente, Radiohead. Dos conciertos con setlists y paisajes distintos.

El primer día subió al escenario el Radiohead clavado y agresivo. Nos cercenaron con versiones cabronas de Jigsaw Falling Into Place, Bodysnatchers, Paranoid Android, Idioteque, Weird Fishes, You and Whose Army y Everything in its Right Place. También hubo momentos muy tranquilos, con Nude, Street Spirit, House of Cards, Videotape y Thom solo al piano con Last Flowers. Fue un show brutal y bastante largo.


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El segundo día, Radiohead se sensibilizó con la buena onda del sábado soleado y se mostraron desenfadados y nostálgicos. Del baúl sacaron a Planet Telex, Exit Music, Fake Plastic Trees, Where I End and You Begin, No Surprises, Airbag, y ahora con Thom rifándose con la batería de Bangers & Mash. Este show fue media hora más corto, pero nadie se quejó, haberlos visto en facetas tan diferentes y una misma energía fue un regalo exquisito, y regaladas hasta las puñaladas.


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Satisfecho, regresaba uno a la ciudad con la finura y el oropel a flor de piel. Aplausos.

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¿Alguien fue al 3er. día?

julio 29, 2008

DISCO NUEVO
Beautiful Future, Primal Scream




















Beautiful Future
Primal Scream
género: rock, psicodelia
2008, Warner


Hace dos años estaba recién nacido este humilde blog, y una de las primeras reseñas publicadas fue sobre el disco Riot City Blues, de Primal Scream

Ahora, la banda de Glasgow trae un disco flamante desde su portada titulado Beautiful Future, en donde se muestran más pop que nunca, incluso más que en su legendario Screamadelica.

Por momentos uno pensaría que está escuchando a New Order y no a la banda psicotrópica del XTRMNTR, pero es cierto, Bobby Gillespie se pone el disfraz de Prince y nos entrega su trabajo más dulce y pegajoso.

Aquí están las pianolas de las Pipettes y los aplausos de Peter Bjorn & John (Bjorn mismo produjo un par de tracks del disco), pero también el blues violento de Tom Waits y el festivo de los Black Crowes. Incluso el fantasma de Marvin Gaye se asoma por ahí en las baladas que cierran el disco.

Para su deleite, truénese una oreja con el primer track que da nombre a la placa, también con Go Back (la canción más apegada al sonido de la banda); The Glory of Love, una balada chula como muchachita capullito en flor, y con la franca y potente Necro Hex Blues.

Sin restricciones y nada que probar, Primal Scream nos regala otra colección cachondona y rocanrolera, como les gusta a los puristas y a sus noviecitas por las noches.

Otro fuerte contendiente para disco del año.


¡Feliz cumpleaños, Up to Eleven!

junio 09, 2008

RESEÑA
Festival Colmena @ Tepoztlán, Morelos
7 de junio 2008

o "Miles de emos se autoflagelan asistiendo a festival infernal"

Imágenes de Evelio



México sufre de 'festivalitis', como bien lo apunta Patricia Peñaloza en su columna de La Jornada.

Aparentemente, la 'festivalitis' puede provocar demencia, psicosis y aunque no está comprobado, hasta la muerte.

El Festival Colmena 2008 presumía de ser un festival sano, pero resultó siendo un foco de infección letal para los asistentes, sus organizadores, y el futuro de los festivales en el país.

HISTORIA DE UNA EPIDEMIA

12:00 hrs.

La gente en Ciudad Universitaria subía a los camiones. La mayoría se veían emocionados. No así los encargados de Live Tours, quienes se quejaban de hueva por tener que esperar a que se fueran todos en la noche. Algo no pintaba bien.

14:20 hrs.

Arribamos a Tepoztlán. Lo único que parecía ominoso era el clima y es que a la lluvia de Tepoztlán hay que tenerle respeto. Afuera del lugar, la banda aprovechaba para tomarse unas caguamas. En la cola podíamos escuchar los gritos lastimeros de Natalia Lafourcade, quien hacía el ridículo a control remoto.

15:00 hrs.

El 'recinto sagrado' resultó ser una pinche cancha de futbol enclavada entre cerros majestuosos. Bajamos por un camino de tierra sin iluminación y encharcado en partes. Sería un reto a la salida. Ya en la explanada nos encontramos con una producción pequeña. Agua, cerveza sin alcohol, puestos caseros de comida. Nos sentamos a relajarnos, pero la ‘festivalitis’ seguía su infección y ya habíamos perdido la conciencia de dónde estábamos y de quiénes estaban a cargo de nuestra seguridad. Cerca de esa hora escuchamos a Juanson, los Simplifires, Los Dorados y los Cojolites. Todos intradescendentes.

17:00 hrs.

La Chikita Violenta se presenta y resultan peores que de costumbre. Al final de su set, agradecen a un tal Pablo (Zacarías, organizador) por el festival. Muchos habríamos de recordar su nombre y a su mamá horas después. Por lo pronto, agradecimos que el set de los pedorros esos fuera tan corto.

18:00 hrs.

Andrew Bird aparece solo sobre el escenario. Armado con un violín y una guitarra, crea la música más hermosa, grabándose él mismo y sampleando lo recién tocado. Bromista y virtuoso, se ganó al público. Una verdadera revelación: ese hombre tiene en un dedo meñique más talento que todos los bananeros que se presentaron antes que él.

19:10 hrs.

La espera ha terminado, y Sigur Rós interpreta su primera canción. Por unos instantes, los 3 cerros se ven hermosos, iluminados por la música de los islandeses, pero Sigur se detiene. El baterista sufre de alguna aflicción misteriosa (¿festivalitis?) y debe dejar el escenario. 40 minutos después, regresar era ya una misión perdida. Sin un integrante, logran interpretar 3 canciones más, adornadas con una efectista lluvia de papel y plástico que sugería una nube de luciérnagas. ¿Alguien del festival ‘ecologista’ pensó en el daño de ese detallito? ¿En todos los animales alrededor que habrán muerto por comerse esos pedacitos de plástico brillante? La presentación de la banda fue como si el bebé de Ágætis Byrjun hubiera nacido muerto.




21:20 hrs.

Termina oficialmente el festival, Nos dirigimos al camino de salida, para encontrarnos atrapados. La columna de gente apenas se mueve. Recordamos la falta de luz y los charcos, caminando paso a paso en oscuridad total. No vemos a ningún organizador en todo el trayecto.

22:00 hrs.

En la carretera nos encontramos con el peor caos jamás visto. Mares de personas sin orden alguno preguntan por los camiones. Algunos ya van llenos, pero van en sentido contrario. Pobres de sus pasajeros, seguro no salieron de ahí hasta bien entrada la madrugada. Un organizador desquiciado intenta contestar a las preguntas de miles, sin lograrlo. La gente comienza a darse cuenta: estamos todos varados en quién-sabe-dónde. Comenzamos a bajar por la carretera en busca de un camión, de alguien con respuestas, lo que sea. Miles nos acompañan, es lo único que nos hace sentir seguros, pero el miedo es inminente. Dos horas después, encontramos un hotel y decidimos probar suerte con un cuarto. En la recepción nos dicen que es el lugar donde se quedan las bandas y los organizadores. De pronto aparece Sigur Rós en el lugar, con baterista y todo. Fue un golpe de suerte ridículo en medio de nuestro infierno. Seguido, entra uno de los organizadores. La dueña del hotel le pregunta: “¿Qué pasó, está todo bien?” Nosotros esperábamos una respuesta agitada, una preocupación por los miles que caminaban sin rumbo en la oscuridad. En cambio, la respuesta del idiota es: “Todo bien, ya conseguimos el alcohol, ahora sólo me preocupa que esté bien el sonido”. ¡¡Organizaban su after party!! Ese fua la gota que derramó el vaso. Minutos después, un taxi nos recogía y conseguimos un aventón al DF. Habíamos escapado, pero como pudimos constatar de bajada, miles aún buscaban desesperados una manera de regresar a sus casas. Estoy seguro que muchos no lo lograron.

3:00 hrs. del domingo

Maltrechos y frustrados, llegamos a nuestras casas. Con una promesa rota de organización espectacular. Con una desesperación en el corazón por saber que lo que pudo haber sido un concierto estupendo, fue un rotundo fracaso. Con adrenalina aún en la sangre y los músculos, a sabiendas de que cualquier cosa nos pudo haber ocurrido en ese tramo olvidado de carretera. Pensamos en la gente que no tuvo tanta suerte como nosotros, a la que sí le pasó algo, en una chica embarazada que vimos, otro con muletas… ¿Qué fue de ellos? ¿Estarán bien? ¿Habrá alcanzado la champaña en la fiesta privada de 2 Abejas?


DIAGNÓSTICO FINAL


El Festival Colmena 2008 murió la noche del 7 de junio a causa de estupidez organizativa.

Sus asistentes estuvieron a punto de morir debido a su confianza en una empresa improvisada de producción, con cero conocimientos de logística.

Sus empresarios se inflaron las carteras a costa de miles de enfermos que sólo querían ver a su banda favorita.

Otros cientos aún sufren de alucinaciones peligrosas, argumentando que todo lo que ocurrió anoche vale la pena por haber visto a Sigur Rós 40 míseros minutos. No hay nada que hacer por estos pobres, su muerte cerebral es irreversible.

Otros miles más necesitarán tomar medidas urgentes de curación, abriendo una demanda legal contra 2 Abejas por los siguientes cargos: incumplimiento de contrato, fraude y poner en riesgo a sus clientes y la vía pública.

Si este festival hubiera ocurrido en otro país, alguien ya estaría en la carcel y todos tendríamos el reembolso de nuestro boleto. Si todos los que fuimos tuviéramos conciencia cívica, sería nuestra obligación entablar esa demanda inmediatamente, para proteger a futuros asistentes a conciertos que merecen ser tratados con responsabilidad.

Pero me imagino que no pasará nada, nos dejaremos abusar como siempre. Porque estamos enfermos de festivalitis aguda. Porque 'estuvo chida la lluvia de papelitos'. Porque nos vale madre todo. Así nos educaron y así moriremos. Explotados y apendejados. Pero no pendejos como los 2 Abejas, que merecen no volver a organizar nada en sus vidas y pudrirse en una celda por imbéciles.


mayo 28, 2008

RESEÑA
Jay Jay Johanson, Salón Covadonga, D.F.
23 de mayo 2008

fotografía de Alejandro Melendez

La noche del pasado viernes, el Salón Covadonga presentaba un lleno normal para una noche de fiesta. Sin embargo, subiendo las escaleras de mármol al primer piso, comenzaba a enrarecerse el ambiente con una electricidad peculiar, y en las sonrisas de los asistentes podíamos prever una noche fantástica.

Ya tarde, cerca de las 12 y media de la noche, el sonido ambiental se fue apagando, y todos en ese salón oscurecido volteamos al escenario. Sobre él, uno a uno, surgieron cuatro figuras muy blancas, fantasmales. Era Jay Jay Johanson y su pequeña troupe de magos musicales. La euforia del público se hizo presente desde un inicio, se mantuvo y fue creciendo conforme el trovador sueco iba engatuzándonos a todos con su dulce voz y las bellas armonías del bajo y teclados que lo acompañaban.

De ojito cerrado en las canciones, y sonrisa amplia entre ellas, Johanson se veía sumamente emocionado por regresar al país donde ocho meses atrás, había llegado a cantar con mil contratiempos a una barranca polvosa y como segundo plato de Björk.

Esta vez, en un lugar tan cálido, apenas con unas 500 personas frente a él, decidió ofrecernos una velada romántica, éterea, para verdaderos fans que corearon cada una de las canciones que los músicos tendían sobre nosotros como una manta acogedora. La figura delgada de Jay Jay hipnotizaba a todos, su liviandad se traducía en canto: el público lo atendía sin quitarle los ojos de encima.

Así, nos regaló varias de sus mejores canciones, entre las que sobresalieron She Doesn’t Live Here Anymore, Far Away, una versión silenciosa de On The Radio, I’m older now y She’s mine but I’m not hers.

De corta duración pero intensa sensibilidad, el concierto terminó entre efusivos aplausos y ahí nos quedamos un rato más para degustar lo que habíamos escuchado. Como un Eros moderno, Jay Jay bajó de su reino en los cielos para supervisar que todo estuviera bien en esa romántica noche.

mayo 27, 2008

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: Songs in A&E, Spiritualized



Songs in A&E
Spiritualized
Universal
2008


Más de dos necios han intentado simplificar la carrera musical de Jason Pierce ("seguro el nuevo disco es otra oda a Dios, las drogas o sus trips neosicódelicos, o metáforas sobre el fuego...") Digamos que ésa es una visión pobre y simple de los fantasmas de la creación melódica de Jason Pierce. Pues lo que lo distingue del resto es su efusión creativa y no inspiración pueril estancada como cualquier bandita de fin de semana del NME.

Con el paso del tiempo algo parece quedar claro con Spiritualized. Jason Pierce no volverá al minimalismo del Lazer Guided Melodies (1992) o la exactitud majestuosa del Ladies and Gentlemen We are Floating in Space (1997) pero la veta explorada en el Pure Phase (1995) lo seguirá acompañando por el resto de sus días. Una enfermedad que lo tuvo postrado en el hospital no le impidió hacer una serie de sesiones acústicas en Inglaterra. Los admiradores de esta banda ya teníamos los antecedentes necesarios para saber que el camino de regreso de Jason Pierce era un intento de sanación del alma, un estrujante arrebato de cordura y eso eran buenas noticias...

Su nuevo trabajo vive de sus pausas /interludios que anuncian canciones intoxicadas de fe, de salvación, de imponentes claustrofobias de rendención personal (Death Take Your Fiddle). Espectro sonoro que impone la tensión garage fallida del Amazing Grace pero ahora equilibrada (You Lie You Cheat). Un viaje que inicia con un hermoso coro de veinte segundos (Interlude 1) interrumpido por una hermosa campana (primer segundo del track Sweet Talk) para saber que esta colección de 18 canciones seguirá con el léxico que aterrizará en ciertos terrenos conocidos pero con dimensiones más sobrias que el Let it Come Down (2001) que no subrayan el tono sentimental de un Stop your Crying. ¿Pero que tal la respiración sampleada de un Jason Pierce agonizante/en coma/sobreviviente que desborda/arropa la canción Death Take Your Fiddle: un genial equilibrio de esperanza que lacera por su intensidad expresiva. I Gotta Fire es una canción acentuada con la vitalidad rítmica del Amazing Grace y bueno... el track cinco: (Soul on Fire) ya se erige como la mejor canción del año para su servidor. El interlude 2 es un hermoso piano que pone su énfasis en un color sonoro turbio (como ese 14 de abril de Drukqs de Aphex Twin) La siguiente canción (Sitting on Fire) es una confesión de fragilidad que implora la cercanía de la piel.

No es el mejor disco de Spiritualized. Pero he aquí un catálogo de canciones que iluminan y que no empobrecen el espíritu.

DISCO NUEVO
Mucho, Babasónicos

















Mucho

Babasónicos
2008, Universal Music
género: rock pop latino



¿Quiénes son los Babasónicos, verdaderamente? ¿Son la banda de funk de Trance Zomba, la de lounge de Dopádromo, la de metal de Babasónica, la de boleros de Infame o la de pop de Anoche?

¿Quiénes son estos lanusenses, que en el momento más triste de su historia pueden producir su disco más feliz?

Tras el deceso de Gabo, bajista y miembro fundador, los Babasónicos regresan con Mucho, disco que lejos de sonar melancólico refulge por su festividad anacrónica. Siguiendo el camino del pop trazado desde Jessico, esta nueva producción encuentra un balance perfecto entre las melodías pegajosas y las letras siempre ácidas de Adrián Dárgelos (que aquí lastiman de tan hermosas).

Donde otros discos languidecían entre regodeos sicodélicos, Mucho ataca directo a la yugular en cortos 31 minutos. Esta duración es peligrosa, ya que invita al escucha a devorarlo una y otra vez en cadena, como una pastilla feliz directa al torrente sanguíneo. Sobretodo tomando en cuenta el estupendo trabajo de estudio que la misma banda ha producido. Cada rincón de esta casa luminosa llamada Mucho oculta un sonido nuevo y sorprendente.

Es difícil creer que ésta sea la misma banda que hace diez años nos hacía rechinar los dientes con ruido puro. La dulzura que reside en estas canciones —Como Eran las Cosas es probablemente la balada más sincera de Dárgelos— sólo podía ser llevada a buen puerto por una agrupación que ha estado en el infierno y de regreso.

16 años después de su primer trabajo, los Babasónicos se coronan como los reyes del rock en español. Para aquél que los ha escuchado todo este tiempo, Mucho es un festejo por tantos años de amor recíproco y un homenaje agradecido a Gabo, a quien todos extrañaremos.

El primer sencillo, Pijamas:



mayo 26, 2008

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO
Oh, My Darling, Basia Bulat




Oh, My Darling.
Basia Bulat
Rough Trade
2008


Pasan los primeros setenta y tres segundos de este disco y... ¡ha terminado la primera canción! ¿Qué demonios fue eso? pregunto al aire. Sí. Basia Bulat necesita apenas un minuto para elaborar un retrato inmutable de una historia amorosa que se antoja ya un callejón sin salida en Before I Knew:


Oh, it was the first time I fell in love
the first time I felt my heart
it was the first time I sang out loud all through the night
but before I knew I was lost,
before I knew I was a prisoner
and I still can't find a way to make it right


Ella tiene 24 años y es originaria de London, Ontario. Sobra decir que su disco suena a todas las influencias posibles: Anna Domino, Nico, Natalie Merchant, Joni Mitchell, Patti Smith y todas las que puedas acumular. ¿Entonces qué la distingue? Tal vez el ensimismamiento de unas discretas cuerdas, los escasos arreglos, su brevedad: sus miniaturas perfectas. Porque Basia Bulat ha asimilado el encanto de, si se me permite el término, una lucidez femenina sencilla y turbadora. En la canción December, por ejemplo,


I touched the ink on my paper,
a permanent scar
I'm gonna carry forever to remember your arms

and though your eyes were december when you had june in your heart


¿No es un cántico otoñal que lacera de manera exhuberante?

Este disco salió a mediados del 2007 en Canadá para fortuna de unos afortunados. Ahora la filial de Rough Trade en Estados Unidos lo ha sacado hace un par de meses para poder disfrutar la sensibilidad de un diamante en bruto que emerge.


Aquí se pueden escuchar cinco tracks de este disco.

Nota aparte. Esa portada no es gratuita: es un descarado y honroso homenaje al Clouds de Joni Mitchell (1969)


mayo 25, 2008

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO
Keep Your Eyes Ahead, The Helio Sequence




















The Helio Sequence
Keep Your Eyes Ahead
Sub Pop
2008


Es muy temprano para decirlo pero...

He aquí uno de esos 20 discos que deben escucharse en el 2008. No es una obra maestra, no hay intentos de alcances profundos para desentrañar el sentido de la existencia, tampoco es una colección de canciones pop perfectas. Nada de eso. Keep Your Eyes Ahead es sólo una decena de canciones sencillas de sensibilidad exquisita y mundana. Lately, la canción inicial destella/presume el optimismo (imposible) después de la ruptura amorosa; Can't Say No sorprende por su prendida brevedad vital. Shed Your Love es el himno de tu universo roto después de un fracaso amoroso. Broken Afternoon es una clarísima cadencia con todos los ecos del eterno Bob Dylan para celebrar los caminos del futuro que desaparecen. You Can Come to Me tiene las coordenadas de un lado b de James, pero con remansos electrónicos más inocentes.
The Helio Sequence en su cuarto disco han elaborado una sutileza espléndida gratificante con una madurez que anuncia que el mejor disco de ellos está por venir. Una fulgor que fluye.


En el sitio de myspace se pueden escuchar/disfrutar cuatro canciones que merecen aplauso.

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO
Everything's the Rush, Delays




















Delays
Everything's the Rush
Polydor
2008

Vuelven a sonar las doce canciones del nuevo disco de los Delays y lo confirmo con desilusión...no pasa nada. Doce tracks repetitivos de acordes cansados y las letras más sosas que he escuchado en meses. Basta escuchar ese espléndido:

Love made visible
Your skin feels incredible


del track Love Made Visible para saber que la banda de Southampton ha perdido el camino. Basta escuchar los diez segundos iniciales de los arreglos escuálidos de cuerdas de Hooray para saber ya no hay sorpresas, que la vitalidad mostrada es sus dos trabajos anteriores se ha extinguido. Doce débiles canciones que se atropellan en acordes a medio tintas, sin la contundencia fresca y prometedora de su Faded Seaside Glamour (2004) Un vaivén impreciso sin imaginación que le cuesta trabajo llegar al final. En pocas palabras: los Delays con este tercer disco parecen demostrar que están más comprometidos a estar en una prueba de velocidad (tres discos en cuatro años) sin estar en plena forma: han dejado de preocuparse por hacer canciones sencillas (Long Time Coming es un ejemplo perfecto) para componer un manojo asfixiante de más vicios que virtudes. Un disco sin vida.

mayo 19, 2008

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO
April de Sun Kil Moon



Sun Kil Moon
April
Caldo Verde
2008


La inteligente madurez.

Yo soy de los que creía que Mark Kozelek había escrito sus mejores canciones con Red House Painters. Yo creía imposible volver a escuchar la rebosante fragilidad de gemas/canciones como Grace Cathedral Park o Mistress. A principio de los 90 Red House Painters era la banda más triste y sensata del planeta y Mark Kozelek un joven que no tenía miedo de explorar los fracasos del desamor en canciones épicas como Medicine Bottle. Con el correr de los años los discos de RHP fueron menos novedosos (Songs for a Blue Guitar y Old Ramon son los más olvidables de su carrera, pero el disco de la montaña rusa, 1993, es una obra de arte)

Sun Kil Moon es Mark Kozelek lo que es decir Red House Painters o viceversa. Pero lo que importa es que April es el mejor disco de Kozelek en más de una década, así de simple. La primera canción, Lost Verses desahoga escombros personales:

I’m staring up into the sky
While all the raining is pouring down
I’m reaching out for your help
But evil beings hold me backwards

All shapes and shadows move in and out
And hover round my bed
Voices arrive and disappear
I want to talk to them

De esta forma inicia el nuevo disco de Kozelek. Tal vez tengan razón los críticos que tachan de monotóno su sonido. Tal vez. Pero es indudable que su fertilidad lírica es inquietante una vez más. El abandono, las fobias, las incertidumbres caben en este testamento producto de la atenta observación de algunas penumbras poéticas. Lucky Man, por ejemplo, es una obsesiva repetición de unos cuantos acordes para ofrecer un cielo gris hermoso. Once melodías vestidas de apasionamiento con una simple guitarra. Once conjuros de melancolía acogedora.


En su sitio de myspace se pueden escuchar cuatro canciones de uno de los mejores discos del 2008.

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO
Ocean Fire, de Ryuichi Sakamoto/Christopher Willits



Ryuichi Sakamoto/Christopher Willits
Ocean Fire
12k
2008


...tal vez la colaboración más osada de año...

En 1986 Stephan Micus sacó a la luz una plegaria dedicada al mar (una de sus tantas obras maestras, Ocean, 1986) Desde entonces ese universo infinito no había tenido un nuevo himno, una textura musical que revelara de manera apropiada la calidez/frialdad de los amaneceres/ocasos que se esconden.

Los recuerdos hacen más profunda la soledad del hombre, sentenció Flaubert ¿Qué ideas evoca el mar? No existen respuestas contudentes sólo sabias variaciones que nos hacen sentir en casa. Porque las texturas que componen este hermoso disco siguen los pasos de Fripp y Sylvian (sólo hay que escuchar con paciencia el Gone to Earth, 1986) pero, al mismo tiempo, este entramado melódico es un mapa donde dos genios musicales plasman contornos/horizontes ancestrales. La bella portada diseñada por Taylor Dupree anuncia la inmensidad de este disco: una plegaria de siete partes dedicada al inmenso mar. Siete tracks donde los acordes brillan de detallismo. La guitarra procesada de Willits acaricia el piano de Sakamoto en Chi-yu, track cuatro, en un engranaje mayúsculo de armonía y sobriedad: nueve minutos de sonidos fragilidad, de ilimitada deriva. Ocean Sky Remains, track final, parece brotar de innumerables acordes brumosos sin paisaje prometido. Un disco de pura efervescencia creativa.

Si eres fan de Fennesz y sus arreglos de filtros cristalinos, este disco te dará reflejos insospechados.

En este sitio se pueden escuchar los 8 minutos del track inicial de esta maravilla


mayo 14, 2008

DISCO NUEVO
Hey Ma, James

Hey Ma

Hey Ma
James
Mercury Records, 2008
género: rock pop


La primera vez que escuché a James, como la primera vez de muchos otros, fue en MTV, con el video de ‘Laid’. Me enamoré desde las primeras notas, emanaba tanta alegría de ellas. El falsetto de Tim Booth en el coro es uno de los momentos más memorables del rock y el video en sí era fantástico. James era, definitvamente, una banda distinta a las demás.

Muchos años han transcurrido desde entonces, en los que fui descubriendo sus discos anteriores y fui comprando aquellos que iban apareciendo. Cada uno de ellos, una lección sobre la belleza y el amor por la vida. James son, realmente, una banda diferente: optimista, cínica y sobretodo, sublime.

Luego anunciaron su separación y algo murió dentro de mí. Y luego anunciaron que estaban grabando de nuevo, y ese algo revivió. Hoy escuchó su nuevo trabajo, Hey Ma, y sé que el mundo es mejor y más bello porque existe este disco.

Desde Laid que James no escribía un cúmulo de canciones tan alegres. Sólo hace falta escuchar el primer track, donde Tim Booth canta, casi grita: “I’m alive!”, para darse cuenta que frente a nosotros hay una banda renovada y mejorada. De regreso están Larry Gott y Andy Diagram, guitarrista y trompetista respectivamente, y esto se refleja en la enormidad del sonido, que poco a poco se había ido diluyendo entre efectos de estudio en los últimos discos.

Entre mis favoritas: Hey Ma, rolita antibélica con rasgueos de ensueño y el coro más pegajoso de todos los tiempos (Hey Ma, boys in body bags coming home in pieces!); Waterfall, enormísima oda a la vida; Semaphore, balada triste de arrepentimiento tardío; Upside Down, otra melancólica canción sobre la distancia y la soledad del mundo moderno.

Este año se llena de regresos sorprendentes: R.E.M., Portishead, Supergrass, The B-52’s… el de James me parece, por ser el más feliz de todos, también el más valioso en este inche mundo de mierda.

Aquí, una edición explosiva con la canción que da título al disco: