EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: Rykestrasse 68 de Hanne Hukkelberg

Rykestrasse 68
Hanne Hukkelberg
Nettwerk
2007

El álbum début de Hanne Hukkelberg (Little Things, 2005) fue un tímido y sorprendente hallazgo de una sensibilidad joven. Dos años después esta joven noruega entrega su segundo disco: una suerte de variedad de sonidos sacados de las calles de Berlin con sus preciosos tintes agridulces que se esconden en sus notas de jazz marcados por un minimalismo de infinidad de instrumentos. Asombra escuchar cómo el tiempo se puede detener en las imágenes que Hanne atrapa, porque la lírica de Hanne ofrece imágenes de punks vendiendo fanzines con el ojo del tedio (Berlin, la primera pieza del disco) o esa canción misteriosa, Fourteen, donde se asoma una madurez rara musicalmente hablando. En el nuevo repertorio de Hukkelberg se escucha de todo: loas medievales, ecos de Brecht/Weil/ de Rickie Lee Jones, hasta un hermoso cover de Break my Body de los Pixies! No hay excesos musicales, porque esta jovencita se conforma con mostrar evidencias de la calle, pero sin remover entrañas. No es un disco novedoso, no estará en los primeros 20 discos del 2007 en algún lado, pero hay un mood pasajero de magia y asombro en las notas de jazz, en el acordeón finamente acompañado de castañuelas. Uno de los discos más versátiles/correosos/aventurados del 2007

Para escuchar en myspace: + su blog


...pero es imposible perderse su versión de un clásico de los Pixies....

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UNNECESSARY NOISE: Canciones para Sirenas

5 CANCIONES, 5 para volar

Escucha el vuelo de las palabras, es un viento tibio si trae tu aroma.

1. Flying lesson (Hot Chicken #1) - Yo La Tengo
2. At the End of the Sky - Darkel
3. Airplane '96 - Pizzicato Five
4. Fly Me to the Moon - Julie London
5. It's Gonna Take an Airplane - Destroyer

Bájenlo aquí.

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: Klima de Klima

Klima
Klima
Peacefrog
2007




Hay un tipo que de imágenes de la ciudad que se pueden escapar si no se libera cierta soledad; hay sombras que son un modo de vida que dura un instante y que abarcan modestamente una liturgía o un espejo de recóndita belleza: o tal vez la zozobra puede ser el contenido ostensible de un rincón inagotable de sueños. Así puede definirse este disco de breves certezas, de gracia musical a raudales. El primer disco de Klima (alias introspectivo del corazón del sonido de Piano Magic en los últimos años: Angele David-Guillou) es un lamento monocorde. Sin los arreglos de Piano Magic, la voz de Angele David-Guillou cae en el mundo feérico del Stina Nordenstam, pero esto no es un defecto. Si hay algo que distingue /alivia en este hermoso début son los diminutos/sencillos/exactos/soplos electrónicos que con su voz se mueven en una aleación sonora extraña: porque suena a Mazzy Star/Piano Magic/Stina Nordenstam/ (y todos los que mandes)..pero hay algo más. Porque de pronto los arreglos se pasean por los ecos más poéticos de Stereolab (¿o no estarán de acuerdo que el tapiz hermoso musical de Her Love is Happy, jugueteo con mínimos acordes a la Satie, es una herencia del track Fiery Yellow del álbum Mars Audiac Quintet, 1994?) Angele David-Guillou puede narrar paisajes de seres moribundos (The Lady of the Lake); o las huellas de la vida en el tedio de un sábado en la noche como en Fluorescent Stars (eco puro del hastío vital como en Let's go out tonight de The Blue Nile). Un disco donde no se respira banalidad, donde se respira una acústica electrónica atemporal, de fina supervivencia. Once canciones donde es díficil encontrar un hueco vulgar. Un logro discreto y bello.


en su sitio de myspace se pueden escuchar tres bellas canciones de este disco


Fluorescent Stars en concierto (Paris,Trabendo,23/06/07)


****comentario agradecido: estas treinta reseñas están dedicadas con sumo respeto, admiración a umbrella que nos recordó en una noche rodeado de amigos que los proyectos deben siempre continuarse y no abandonarse. Porque la música no es para impresionar, es para compartir.

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO:Release the Stars de Rufus Wainwright

Release the Stars
Rufus Wainwright
Geffen Records
2007

I'm tired of writing elegies to boredom

Rufus Wainwright, de la canción Sanssouci, 2007

Recordemos la portada del Want Two (2004) de Rufus Wainwright y quedarán al descubierto sus límites: la portada del disco es plena de estética prerrafaelista. Alguien que haya contemplado The Lady of Shalott de Waterhouse conocerá esa pose antes de una muerte hermosa. Pero algunas veces me parece que la referencia plástica correcta para Rufus Wainwright es Narciso: esa belleza lo ahogará. Hay varios claves erróneas en el mito del genio de Wainwright: es demasiado inteligente(algunas veces se pasa de chistoso), es demasiado erudito, demasiado bueno...y le falta mesura. La pieza inicial, Do I Disappoint You, satura por sus arreglos orquestales iniciales (¿no se ha dado cuenta de los alcances de la mesura de la orquesta como en Let it Down de Spiritualized?). Un inicio pomposo, desmesurado, demasiado inteligente ¿Para qué? Porque su voz es hermosa y es la herencia de dos padres obvios: Jeff Buckley y Thom Yorke. Claro que esos alcances los explota en canciones de alta factura (debe escucharse con agradecimiento el track dos, Going To a Town
) pero en una canción como Nobody's Off The Hook, el track cuatro, el piano, las cuerdas no suenan a nada, sólo son ornamento, cuerdas secas, con exceso de efusión: es decir ¿esos arreglos clásicos a quién impresionan? ¿Por qué se cree que algunos víolines enaltecen una melodía? Rufus puede escribir bellos desencantos ( I'm not ready to love):

I'm not ready to love, I'm not ready to love
I'm not ready to love until I'm ready to love you the way you should be loved
Until I'm ready to hold you the way you should be held
You should be held, but I'm not ready to

Un bella canción de seis minutos de naufragio sentimental. Ahí está el talento y el alcance de Rufus Wainwright: en la mesura de voz sin referencias musicales cultas que abrumen su talento. La canción ocho, Slideshow, ofrece el recuento irónico de la dependencia emocional:

Do I love you because you treat me so indifferently?
Or is it the medication?
Or is it me?

...hasta que entran los arreglos orquestales que opacan la sobriedad de la canción. Pero el mejor ejemplo de la desmesura es Tulsa: arreglos de cuerdas que intentan crear progresiones armónicas con un piano que apenas se escucha mientras la voz de Wainwright alcanza la tesitura de Yorke...nada se escucha, nada se entiende (¿o nos regresamos al Karma Police?) Pero después de ese intento de maníatico tempo en el fraseo musical se encuentra una joya: Leaving Paris donde la mesura de las cuerdas (elegantes, precisas, cuidando cada detalle del registro de la voz de Rufus) son un acierto.
Algo queda claro después de escuchar el nuevo disco de Wainwright: cada vez trata de ser inteligente, pero no tendrá nunca el wit de Morrisey; cada disco lo podrá saturar de cualquier referencia clásica (Schumann, Kurt Weil, Mozart), pero jamás tendrá la frescura de Jeff Buckley quien tenía una erudición musical educada y sensible para hacerle un cover a Benjamin Britten: porque la referencias musicales eruditas no hacen a un músico de verdad: sólo provocan que algunos poseurs existan. Alguien le tiene que enseñar las bondades de la mesura a Rufus.


Going To a Town

UNNECESSARY NOISE: Placeres Sencillos. La historia del imperio britanico

(El ruido innecesario es porque todas las canciones son grabadas directo del vinil y nuestro equipo es cien por ciento lo-fi. El lo-fi es amor!)

Say something! Anything!

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: Back Numbers de Dean & Britta

Dean & Britta
Back Numbers
Rounder
2007


Las raíces no se olvidan.Porque cualquier proyecto musical de Dean Wareham tendrá para siempre las huellas de Galaxie 500 (si por alguna razón usted no ha escuchado ese trío esencial de los noventa se ha perdido de una urdimbre de armonía exacta, de un depurado universo de metáforas musicales) y de Luna (hay que decirlo con franqueza: su música no es exquisita porque su sonido pertenece a la matriz de Galaxie 500). Ha sido difícil vivir al margen de las sombras para Dean Wareham, porque cada uno de sus proyectos musicales ya no tienen la espontaneidad de Galaxie 500 y tienden a caer en una fase predicible en la composición. Tal vez por esa razón, el nuevo disco de Dean and Brita (sobrevivientes de Luna) ha apostado por lo más sencilla y con una fórmula efectiva: han optado por algunas composiciones originales y un puñados de covers. El resultado es generoso con la ayuda de Tony Visconti en la producción, pero, sin duda, sobresale la mano de Sonic Boom (uno de los cerebros de Spacemen 3, dúo con el mismo Jason Pierce de Spiritualized) que continúa en la veta de las exploraciones sonoras de su proyecto Spectrum (el track dos, Words you Used to say, tiene el fondo clásico del primer disco de Spectrum y la verdad, produce una evocación ensoñadora). Tal vez sea incoherente encontrarse con covers de Donovan, The Troggs, Lee Hazlewood, pero en la voz de Britta Phillips existe una cadencia delicada de diferente palpitar. Lo cierto es que Dean & Brita apenas están construyendo su camino y en sus composiciones originales de Back Numbers (como Words you used to say) se nota una callada arquitectura que no llega a la tristeza, ni tiene asomos de oscuridad, pero que se construye de un suspiro estético que está punto de madurar.

Para disfrutar: en su sitio de myspace pueden escuchar un par de canciones bellas de Back Numbers: Our Love Will Still Be There y You Turn My Head Around

Words you used to say

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO Learn to Sing Like a Star de Kristin Hersh

Kristin Hersh
Learn to Sing Like a Star
Yep Roc Records
2007

Isn't this a lousy drug?
isn't this a pretty fall?
isn't this vertigo?
isn't this wonderful?

Vertigo, Kristin Hersh, 2007

...los goteos musicales de Kristin Hersh están de regreso porque siempre serán indispensables sus imágenes breves y la instrumentación honda (apoyada una vez más por las cuerdas Martin McCarrick) y porque su voz puede proporcionar una extraña tranquilidad. Después de haber escuchado el nuevo álbum de Hersh tengo la sensación que nada cambia, que no hay nada nuevo en su tesitura de voz, que no hay ninguna variante en su manera de componer canciones, no existe un nuevo acento porque desde hace mucho tiempo la lírica de Hersh alcanzó la latitud de la belleza. Es cierto que Kristin alcanzó el oficio insuperable con los discos The Grotto, 2003; Strange Angels, 1998 y el clásico Hips and Makers, 1994 y, claro, con todo Throwing Muses, pero desde años cada disco nuevo de ella es una reencarnación rigorosa de la magia de su voz, de los mismos rodeos: porque al llegar al track seis, Under the Gun, ya sabes que, pesar de algunos arreglos de cuerdas crudos (o postgrunge, como han querido ver algunos puristas) el valor del disco se refleja en la intermitencia de los estilos que lo componen (pequeñas melodías: Christian Hearse dura treinta segundos que asemejan un trance atropellado de confusión acústica que se liga en forma plañidera con la siguiente canción, Ice; mientras la melodía diez, Piano 2, es un ejercicio lacónico de guitarra que respira un atrevido hálito de transgresión con el tono del disco: vibración elegante de cuarenta y nueve segundos) No hay duda, hay caminos que nunca se olvidan por la calma que provocan: el latido de un corazón generoso nos puede otorgar una mitología secreta: esa ha sido la misión de la tesitura de la voz de Kristin Hersh quien, aunado a su capacidad de apropiarse de la guitarra para dibujar mapas infalibles, ha sido una presencia necesaria para entender el clasicicismo y la sencillez de las cosas de la vida. Más de lo mismo, más belleza concéntrica de los acordes de la guitarra.

En su bondadoso sitio de myspace se puede escuchar el álbum completo

ESENCIAL Discazo, L- Kan

Discazo
L-Kan
2005, Molécula Records/Subterfuge Records
Género: indie, pop, electrónico



En una casualidad de la vida por fin encontré físicamente el Discazo de L-Kan, lo compré de inmediato, ya que tal vez no lo volvería a ver, llevaba más de un año tratando de conseguirlo/bajarlo/quemarlo/robarlo y así como así apareció frente a mi, tal vez preparándome para lo que venía en la tarde de jueves.

Y lo que pasó saliendo de esa tienda fue que entré al cine a ver la última película de David Lynch, la cual le gana a todas las demás en trama koo-koo confusa (además entré cuando ya había empezado, ¡ja!), así que con el cerebro hecho moño y mi cara de “¿huh?” al salir de la sala, me dispuse a darle play en mi arcáico discman al esperado Discazo… de repente dejé de sentirme la reina de las lerdas por no haberle entendido a la movie y reí bobamente al ritmo de L-Kan, reí por la simpleza listilla de las letras que son tan ingenuas que pasan a lo obvio, pero una obviedad de buena vibra que en vez de ponerte a pensar en la silvestre letra, mejor optas por cantar y bailar sin sentido. Vaya que me dieron ganar de hacer eso último, pero el exceso de gente en el transporte público me lo impidió, así que esperé a llegar a mi casa para bailar bobamente en la privacidad de mi minúsculo cuarto, y esto es justamente el propósito de la música de L-Kan: es para hacer coreografías privadas que sólo saldrán a la luz pública en una senda borrachera o para cantar frente al espejo después de bañarse –cepillo en mano y todo-, es para esos días en que pones música en la mañana mientras te vistes para ponerte de buenas, qué mejor manera de empezar el día que cantando “quiero hacer un viaje largo para escuchar contigo los CDs que he olvidado, cantar en el coche a pleno pulmón porque la música y yo tenemos razón… voy a hacer todo por placer”.

L-Kan son cuatro españoles (tres chicos y una chica) y éste es su tercer disco. Hacen música de tecladitos, cajas de ritmos y acordes básicos, electro tontipop del bueno, de ese que se mofa de manera ingenua sarcástica de todo, hasta de ellos, se saben orgullosos representantes del tontipop pero lo hacen de la manera correcta, como en la canción “Mi cociente es diferente”:

Voy a confesar mi problema:
soy superdotada pero me hago la mema,
Mi cociente es diferente, me hace muy difícil el estar con la gente.
(…)
Todo el mundo me odiaba,
Ya está aquí la listilla, la rara.

Cuando escuché ese track me sonó como a justificación para hacer tontipop, como un escape de todo con la finalidad de hacer música sea como sea, para pasarla bien, para disfrutar un estilo que tal vez sea efímero pero... ¡ah cómo se disfruta! No es ese pop tarado que realmente nos hace pensar en la cantidad de cromosomas que tienen los intérpretes o cuánto daño les ha hecho la droga (como todas las variaciones del Sonido Lasser… momento, ¿lo dije o lo pensé?) y terminan por dar pena ajena, no, es pop que maneja todo tipo de temas, aunque sean tristes o estúpidos, de manera alegre en extremo, una fiesta de beats cuya finalidad es hacer que se nos olviden todas las preocupaciones de la vida diaria. Alegría musical tipo Stereo Total en castellano que se autoburla de sus creadores y del género musical en “Quiero ser siniestra”:

Mi problema es la alegría, odio la felicidad
Quiero sentir apatía, ya no puedo reír más
Con esta cara de idiota estoy tan contenta
Todo me hace gracia, ya me da vergüenza .

Y no podía faltar la canción cursi nostálgica, esta vez llena de preocupación de joven adulto pre-compromiso matrimonial en “Novios”:

Ahora somos novios y todo va a cambiar
Ya todo lo de siempre se va a quedar atrás
Y todo lo que he ganado también me hace pensar
En todo lo que he perdido lo que no haré ya nunca más
Llorando con mis amigas los viajes para ligar (…)
Noches sin ir a la cama dormida dentro de un bar
Todas las cosas que hacía mientras tardabas en llegar.

Podría seguir echando porras de cada canción pero no lo haré, sólo diré que mis favoritas son “Todo por placer”, “Yo ya no” y “Aburrida de estar salida”, esta última me hace reír tanto que mejor les dejo el video para que sepan porqué:



Esta edición de distribución mexicana del Discazo de tan apropiado nombre incluye 14 temas (uno instrumental que lleva el nombre de “La pilingui, la perdida, su mujer y su amante”), dos temas extras, dos remixes y el feliz video de una sola toma de “Todo por placer” que ejemplifica la buena vibra de los L-Kan bailando y dando tumbos por alguna calle de España.

¡Suficiente! Mejor dejo de escribir para cantar con todo y acento español, whiskey en mano y frente al espejo como se debe en estos casos de fugaz felicidad solitaria que dura hasta que una se canse y pone de buenas para toda la semana.

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: Grinderman de Grinderman

Grinderman
Grinderman
Mute
2007



Vulgar, soez, profético, poético, estridente, crudo, epidemia desesperada, romántico, primitivo, desbocadamente carnal, fantasmagorías sórdidas, el apocalipsis de la noche puede ser No Pussy Blues (el track saturado de estridencia benevolente). Un disco que arde en gestos afables, acogedores, infernales (la canción Grinderman, de acuerdo a Martyn Casey, es un evil haiku), alucinaciones poéticas (Electric Alice), advenimiento de la esperanza teñido de memorias del subsuelo: el recuento de la vida oscura. He aquí la muestra del inagotable genio de Nick Cave: tal vez el mejor disco del 2007.


Grinderman es Nick Cave, Warren Ellis, Martyn Casey, Jim Sclavunos, o sea otro supergrupo de verdad y no pérdida de tiempo: la única orgía de sonidos pasionales del 2007. La furia se escupe desde la primera canción porque Nick Cave no había sonado tan furioso desde Birthday Party.

I got to get up to get down and start all over again

kick those white mice and black dogs out

kick those white mice and baboons out

kick those baboons and other motherfuckers out

Así taladra el opening track de Grinderman (Get it on, es curioso descubrir el sencillo de siete pulgadas donde se puede escuchar una versión suave y sencilla donde no existe la furia de Nick Cave ni el magma denso de la guitarra, para fortuna de los clavados esa versión se puede escuchar en el sitio de myspace), la fuerza de ese primer track es la de una la grieta que esconde un abismo podrido. El segundo track: No pussy blues, abre con el sonido de una máquina escribir para unirse a una batería que preludia la voz de Cave en una narración de pliegues, de intentos burdos/poéticos para encontrarse con una mujer:

I saw a girl in the crowd
I ran over. I shouted out
I asked if I could take her out
But she said that didn't want to
I changed the sheets of my bed
I combed the hair acroos my head
I sucked in my gut and still she said
that she didn't want to
I read her Elliot, read her Yeats
I tried my best to stay up late
I fixed the hinges of her gate
but still she just never wanted to

...y de pronto la invasión de una guitarra eléctrica que todo lo consume en su furia: frustración siempre en la garganta para terminar con la proverbial línea: I got no pussy blues. El crematorio de un corazón cansado/ nutrido de una estridencia malsana. El corte Electric Alice (¿acaso un guiño musical al Alice de Tom Waits del 2002? Una hemoso canto pálido a las huellas de la luna. La canción cuatro, Grinderman, un breve canto de cuna apuñalado de una guitarra eléctrica/corrosiva reservada sólo para las pesadillas: acordes oxidados y llenos de podredumbre. No tiene caso hablar del disco pieza por pieza: he aquí las astillas dolorosas del año listas para clavarse debajo de las uñas.




para ver/escuchar el sitio de myspace + el lujoso y cuidado site de Grinderman

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: Myth Takes de !!!

!!!
Myth Takes
Warp
2007

El nuevo disco de !!! tiene algo de peculiar: es el primero trabajo de ellos para el sello Warp después de haber sido los hijos bastardos del sello de Chicago Touch and Go (un obscuro tesoro de underground norteamericano, casa, por ejemplo de The Black Heart Procession y de Nina Nastasia) y culpables de uno de los álbumes dobles más obesos que se tenga memoria (Louden Up Now, 2004, sólo para admiradores de bandas como Mars Volta) de mediocres alcances. Con esos antecedentes es díficil acercarse al nuevo disco de la banda de Nic Offer: se conocen de antemano los estruendos en las guitarras, pero...

El nuevo disco de !!! posee un sonido maduro donde los estruendos de guitarra han desaparecido para dar lugar a espamos funk/punk/sicodélicos hipnóticos. Sorprende su sonido en estos días: porque es indudable el virtuosismo heredado de haber escuchado a King Crimson en la composición, pero también de haber atesorado las letras vacuas/desmadrosas de Beastie Boys/Ramones. El track dos ( All my heroes are weirdos) es humor inteligente vomitado en el ritmo sincopado de la guitarra. A partir de ahí la vitalidad será la misma: ritmo al cual es imposible resistirse. El tercer track (Must be the Moon) es un claro ejemplo del tono del álbum: un sonido amparado en las distorsiones/en el vértigo de la guitarra que acelera/se tiñe de una densidad funk con las posibilidades de un pop con raíces tech-house. Sin duda, el track cinco (Hearts of Hearts) es el mejor: su sonido electrofunk (disfrazado por momentos de electrosoul) durante seis minutos cumple su objetivo: sacudir con sorprendente habilidad en esa especie de sicodelia espacial. Un disco radiante, a pesar de sus escasas ramificaciones del sonido.

en su sitio de myspace podrán escuchar tres canciones adictivas del nuevo disco de !!!

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO:Two of Diamonds de Mick Harvey

Mick Harvey
Two of Diamonds
Mute
2007


...un disco de sabios covers....

Otra maravilla: una entrega de once itinerarios amorosos ausentes/suplicantes/ devorados/enfermos de plenitud. Once himnos necesarios del 2007 cobijados por las notas de Rosie Westbrook, James Johnston, Thomas Wydler con la voz de Mick Harvey (todavía no me convence el cover Out Of Time Man de Mano Negra)...

La poderosa figura de Nick Cave ha opacado el genio de Mick Harvey. Debe decirse con toda franqueza que tener un disco nuevo de Mick Harvey es un privilegio. Cualquier proyecto en los que ha participado habla por sí sólo: The Birthday Party, The Crime and the City Solution (una de las mejores bandas de la historia), cómplice eterno de Nick Cave and The Bad Seeeds; dador de tres himnos que salpican de belleza lírica al poema de Wim Wenders (Wings of Desire) y por si fuera poco, nos entrega su cuarto disco con una rasgo que llama la atención: nueve de las doce canciones que lo componen son covers. Así es, el señor Harvey ha apostado por recuperar gemas musicales/hablar con las palabras de otros. Sin embargo, en la voz de Harvey (con todos los ecos de Dylan/Cohen/Waits/Cash/Lanois/Walker) suenan propias y no devociones ajenas. Lo que es claro al terminar de escuchar Two of Diamonds es el desenfreno del apetito musical de Harvey y, al mismo tiempo, hilvanar doce canciones aparentemente dispares en una fluidez lírica de pormenores descubiertos. La canción inicial (su versión de Photograph de Chris Bailey) en su interpretación suena a un empeñando intento por recuperar la hondura de la memoria. El track dos (I don't want you out of my mind, original de Bill Withers) se abre con una guitarra digna de cualquier escena borrada de las Alas del Deseo: una hermosa canción/reencarnación que ilustra el temple de un recuerdo. La milagrosa version de Sad Dark Eyes (original de Die Haut, la banda de otro cómplice de Nick Cave: Thomas Wydler) es más carne que alma: hace pedazos la versión original (y eso que la versión original, del disco Headless Body in Topless, 1988, es sublime). Here I am (original de Emmylou Harris): breve melancolía que trasmite belleza, angustia, soledad, esperanza con esas notas mínimas de cuerdas contrastadas con esos hermosos coros: infinita sabiduría en la composición replegada en tres minutos y medio inmensos. Blue Arrows, original del mismo Mick Harvey, enfatiza un piano digno para una canción sobria sobre los caminos que marca la presencia recuperada de un encuentro efímero. Slow Motion Movie Star (canción inédita de P. J. Harvey): guitarra encajada en un piano mientras la voz viajera de Harvey roza la esperanza. Y el cierre del disco es monumental: su versión de un clásico de Crime and The City Solution, Home Is Far From Here, un salmo desnudo/plegaria cruda cantada como si fuera la última oportunidad de alcanzar un reposo en el alma. Un disco esencial.




***Admiradores de discos-homenaje a José José, Rigo, Chabelo,Tin-Tán, Tigres del Norte y bodrios de ese tipo, ni lo intenten: este es un recuento del pasado que no entenderán.


En myspace escucharán tres canciones de este álbum (incluyendo la versión del clásico de Mano Negra), pero tienen que devorar las siguientes bellezas:



Here I am

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Blue Arrows

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ESENCIALMarquee Moon, Television

Marquee Moon
Television
1977, Elektra
género: rock, punk


Uno no puede ser demasiado cuidadoso al momento de cuadrar los detalles que forman un movimiento tan drástico como el rock o el punk. Cada chispazo de juventud explosiva determina un nuevo sonido, una nueva camada mutante.

Son estas joyas espontáneas los Elvises, Ramones y New Divisions del mundo. Otro momento genial es Marquee Moon, de Television.

En 8 canciones, la banda de Tom Verlaine dejó un testimonio que, para muchos, sigue siendo desconocido y es importantísimo para la corriente de punk melódico que lideran los Strokes. Ellos mismos admiten haber tomado muchas cosas directamente de Television, y ahí son inteligentes por aceptarlo (nadie puso atención de cualquier manera).

Desde la portada podemos ver el atisbo de un Casablancas menos rico, más drogado y mucho más inteligente. Pero este no era sólo un vocalista carismático, Verlaine me suena más a Baudelaire.

Television también sonaba más a poesía que a MTV. Marquee Moon fue su pináculo y final. Como tantas otras bandas, volaron al sol y sus alas se deshicieron. En este disco podemos ver el instante exacto donde el rock progresivo/clásico de las decadas anteriores se fundía por completo con el movimiento hipster neoyorquino de finales de los setenta para encender una vertiente de punk fino y preciso, y consecuentemente la supernova de 'música alternativa' que ha reinado desde entonces.

Las guitarras de Verlaine y Richard Lloyd llevan tanta historia sobre ellas que es difícil separar sus años como los anillos de un árbol. Ahí está Jimmy Page, Robby Krieger, Hendrix, Clapton, B.B. King, derretidos uno sobre otro, creando un paisaje ácido, infinitamente tratado de igualar en las décadas próximas.

Las letras, abstracciones estupendas de la ciudad y el momento correctos. El West Side demasiado intelectual para su bien.

Marquee Moon puede mantenerse en las sombras de un Nevermind the Bollocks o un Closer; pero una mirada minuciosa al rock actual puede mostrar los pequeños guijarros de Television por todas partes, incrustados aquí y allá en las chamarras, los peinados y los dedos ansiosos de una generación completa de Myspaceros.

Ahí, ahí está la vida eterna. No cayendo en el pozo de los discos de 99 pesos.

UNNECESSARY NOISE: Placeres Sencillos

Pues he hecho de mi semi-abandonada columna "Placeres sencillos" un podcast. He grabado directo del vinilo algunas piezas que me han conmovido recientemente. Ojalá lo disfruten. Tiene un molesto ruido de fondo, para hacerle honor al podcast, ya que todavía tenemos que solucionar algunas cuestiones técnicas. Pero mientras, acá va, directito del acetato.



Esperamos comentarios. Gracias.

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: Cryptograms de Deerhunter

Cryptograms
Deerhunter
Kranky
2007


...higher than the sun...

El entusiasmo me embarga. (...y siempre digo que se debe escuchar el Loveless de My Bloody Valentine dos veces a la semana, por lo menos)
Muy a principios de la década hermosa de los noventa una banda definió los caminos donde nadie transitaría. Disco Inferno fue una de esas bandas que comprendió el signo de los tiempos (samples/guitarras a la Loveless/la asfixia de Joy Division). En 1994 sacaron un disco fundamental de la escena inglesa: D.I. Go Pop. Una obra cumbre que se adelantó a su tiempo (si, ya sé que ésta es una frase hecha, pero en ese álbum de Disco Inferno se aplica) Nadie siguió los derroteros que señaló la visión sonora de la guitarra de Ian Krause; nadie se animó porque aparecería Oasis y su Live Forever se volvería un himno generacional. Tuvieron que pasar trece años para que ese sonido vibrara otra vez. Porque todavía no salgo del pasmo al escuchar el nuevo disco de Deerhunter: brutal. Un disco de dos partes: la primera va del track 1 al 7 (una camino hermoso de sampleo/guitarra shoegazing que fluye por encima de un sueño con complejidad y con una propuesta disonante. Letras que tocan el imperio en ruinas, como el Boxer de National; un collage saturado de matices orquestales con tonalidades góticas/punk/new wave/espíritu desatado con breves destellos a la Tuxedomoon...eso ocurre en menos de treinta minutos: un golpe bello es el track cuatro Lake Somerset). A partir del track ocho (Spring Hall Convert, una esencia apasionada y tranquila que te hace rogar que el disco no se acabe nunca) se abre una serie de canciones donde la belleza no es un accidente. Hay sorpresa y emoción mientras avanza ese pop tan fino y exquisito, como si la visión grisácea de la primera media hora fue una miseria emocional olvidable para dar paso a una canción perfecta (Strange Lights) con todos los ecos de un Stereolab inocente. Pero el siguiente track (Hazel St.) tiene un ruptura melódica y hermosa que confunde con delicia. Tape Hiss Orchid es un interludio sin pena ni gloria para dar entrada a Heatherwood que pone fin a un torbellino/colección que se ubica más allá de cualquier referencia musical. Casi genial.

...en su sitio de myspace pueden escuchar tres canciones maravillosas de este disco grande.

5 CANCIONES : 5 para extrañar

Egon Schiele - Autumn

La nostalgia envuelve como cinco dedos perdidos, una jaula es la memoria de la piel.

1. For What it's Worth - The Cardigans
2. Favourite T - The Lemonheads
3. Dress Up in You - Belle & Sebastian
4. Stay - Belly
5. Baker Baker - Tori Amos

Bájenlo aquí:

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: From Here We Go Sublime de The Field

The Field
From Here We Go Sublime
Kompakt
2007

...un cóctel electrónico de primer nivel...


Uno de los quince discos que deben escucharse este año. The Field (alias de Axel Willner) ha elaborado un tratado techno de inteligencia que fluye de manera vibrante. Si se escucha con atención los diez tracks que componen el disco se puede encontrar un estructura ambiciosa que parte de eso pequeños detalles sonoros que delinean un melodía (todo la enseñanza de Brian Eno/Harold Budd) hasta estallar o permanecer en ese halo lírico que no tiene la música electrónica parasitaria. Willner calibra el beat para que sea incendiario/rugiente/sereno/ o un silencio lacónico. Un álbum con una unidad clara para dar vuelta rítmica en los momentos exactos, como si todo se tratara de una mutación de beats.La pieza inicial es una herencia delicada de Star Guitar de The Chemical Brother que resulta ser una mesurada guitarra atravesando reminiscencias de Kraftwerk/The Orb/ Daft Punk hasta el Lawrence de The night will Last Forever, 2005. Esas tres piezas iniciales (Over The Ice/A Paw In My Face/Good Things End) están ligadas por la mesura del ritmo. Rozando elegantemente el trance (esa base hipnótica que parece no desfallecer en Good Things End), la armonización de éstas tres piezas se disloca brillantemente con el track cuatro (The Little Heart Beats So Fast) que parece una nostálgica pieza de house para ligarse con ese corte ejemplar de glitch/house narcoeléptico (Everyday). The Deal, track siete, consiste en diez minutos sútiles vestidos con esos coros excelsos a la Xtal de Aphex Twin con capas melódicas y bordes igual de finos. Los tracks nueve y diez (Mobilia/From Here We Go Sublime) parecen Philips Glass con John Cage soñando sus oscilaciones/obsesiones rítmicas, pero en una secuencia de downtempo/dub dirigida por Stockhausen. Casi el espíritu de una sinfonía.Melódicos/plácidos/crecendos electrónicos para días soleados.


...para escuchar:

The Deal

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EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: The Meaning of 8 de Cloud Cult

The Meaning of 8
Cloud Cult
Earthology Records
2007


Varios hechos van quedando claros mientras avanzan los tracks de este disco: la banda Cloud Cult, lidereada por Craig Minowa, tiene todo el camino perdido. No hay duda, The Meaning of 8 es un disco lindo, atascado de disonancias de violochelo, guitarra saturada, pero bonita; letras tontas que se quieren pasar de listas. Sí. Puede ser un disco bueno...si no han pasado por tus manos la discografía de The Flaming Lips (hasta el Cloud Taste Metallic, 1995). The Meaning of 8 puede cautivar si se ha desperdiciado el tiempo/la vida escuchando la discografía olvidable de Green Day y si no se ha escuchado con la paciencia debida los valiosos discos de Mercury Rev (principalmente su obra cumbre, Deserter's Songs). Además de lo anterior, si se creen los manifiestos estéticos de Craig Minowa, quien pretende ligar este disco con el pensamiento de Jung,(¡!) pues los disparates en las letras pueden pasar por muy profundos, pero no lo son...
Porque los paisajes sonoros como Everywhere All At One Time (una tomadura de pelo de un minuto) son un desperdicio que pretende ser muy inteligente. La canción de Allien Christ quiere pasar por muy chistosa, pero su mediocre imaginación da pena (en serio ¿Craig Minowa nunca escuchó esa obra maestra de avistamiento OVNI cantada por los Pixies, The Happening del Bossanova? Después de escuchar las 19 canciones del album dos cosas quedan claras: las mejores canciones son Chain Reaction, la que abre el disco (una canción bellísima, una caricia) y Dance for the Dead (una hermosa, en serio hermosa elegía/canción en memoria del hijo de Craig Minowa muerto hace cinco años)...pero cuando se llega a la canción final, Song of The Deaf Girl, (minuto y medio de silencio...wow, cuánta inteligencia) uno se da cuenta que hay bandas que viven de la basura para impresionar a los incautos...

Salvo esas dos canciones, que por mala suerte no están es su sito de myspace, The Meaning of 8 es un disco que debe evitarse...


Para disfrutar: Chain Reaction de Cloud Cult

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: Monologue de Takeshi Nishimoto

Monologue
Takeshi Nishimoto
Buro
2007

Grabado en una sólo día en una iglesia (en Evangelische Kirchengemeinede Berlin-Oberschoeneweide) el sonido de este disco está matizado por el crujir de las paredes de madera, por ese silencio de iglesia que es la transfiguración/maduración del tiempo vivido (el tiempo, escribió Gabriel Marcel, es la paciencia de Dios). Escoger una iglesia para tocar una guitarra clásica no es sólo interesante o una curiosidad musical (o como se dice ahora, chido) No. Escoger una iglesia para Takeshi Nishimoto fue la búsqueda de Harmonia Mundi que nos rodea en forma reducida y cuya partitura atraviesa jardínes, pesadillas: porque un sencillo sonido pueder ser la restauración del pasado o una entidad sonora de hondura pulcra/devastadora.

Pensemos en la tradición clásica de la guitarra y algunos nombres vienen a la memoria. Sobresale el compositor Hans Werner Henze (para disfrutar su Música para Guitarra interpretada por Franz Halász, editado por Naxos hace un par de años) Sin embargo, la guitarra tiene su dimensión preciosa en las manos de Don Andrés Segovia. Se deben escuchar esas maravillas de la música mexicana compuestas por Manuel M. Ponce (Sonata Romántica/Sonata Clásica/Sonata mexicana/Sonata # 3, mi favorita) ejecutadas por los dedos de Don Andrés Segovia para saber que la palabra claridad crepita algunas veces.

Por esas razones deslumbra la sencillez del disco de Takeshi Nishimoto: notas que fluyen en serenidad, los dedos de Nishimoto ofrecen un inquietate manojo de doce sueños/doce crepúsculos de estética modesta, pero subyugante donde se pueden escuchar los pasos de la obra del guitarrista brasileño Heitor Villa-Lobos. Un disco que abre con la poética sonora de Memory 4 AM, una sombra breve en la madrugada para alivio del sueño. Ligeras melodías/paisajes/cenizas de fotografías/memorias elegantes/transparencias/paseos nocturnos/pasos solitarios/himnos a la tierra/ silencios de la respiración/ bondadosas y depuradas olas plasmadas en la arena...

Para disfrutar, Takeshi Nishimoto:


Memory 4am

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Interwave

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EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: The Four Trees de Caspian

The Four Trees
Caspian
Dopamine Records
2007

...desde Boston...

El segundo album de Caspian tiene algo de misterioso: no sabes si estás escuchando el nuevo disco de Explosions in the Sky...y lo confieso: no hay otro modo de acercarse a este disco; es imposible hacerse el sordo y no reconocer la intensidad que parte de lo pequeño para llegar al crescendo que deslumbra (ejemplar, de verdad, la melodía uno, Molshka, una pieza de casi diez minutos, que parte de un acorde sencillo a la Sigur Ros del ( ), pasa por el elemental tempo lento de Mogwai para estallar en arrebatos a la Explosions in the Sky...pero ¿qué se saca después de escuchar con desconfianza las once piezas del disco? Nada. Sólo reconocer el talento de Caspian, ...pero saturarse del encanto de las formas de lo que ahora se llama post rock es quedar atrapado en una latente quietud, sin la posibilidad ofrecer un nuevo cuerpo, una nueva sensualidad en el torrente de las guitarras. Hay belleza, no cabe duda, pero después de Explosions in the Sky, Mogwai, Sigur Ros ¿para qué ofrecer la misma sintaxis musical, pero menos vibrante? La novena pieza del disco, The Dove, en mi opinión la más pura de todas, es un hermoso paisaje de tres minutos: sereno sin necesidad de recurrir a los destellos de guitarra aprendidos de manual. En la misma vena se encuentra el track seis, The Dropsonde, que ocurre/vibra/trasluce/ en una suave guitarra distorsionada que parece haberse fugado de alguna sesión del Loveless de My Bloody Valentine.

Si eres fan de Explosions in the Sky, como lo es el servidor de ustedes, lo disfrutarás...pero Caspian no dejará de sonar a una especie de reciclaje musical apresurado...

Para los desconfiados: en el sitio de myspace pueden escuchar dos tracks: Crawlspace y Some Are White Light

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: Part Monster de Piano Magic

Part Monster
Piano Magic
Important Records
2007

This heart, it is proud to have loved you.

Piano Magic, de la canción Cities & Factories, 2007

Este no es un disco más de Piano Magic: es una summa de sus senderos en los últimos diez años: las letras de Glenn Johnson encuentran en la geografía inglesa (desde Nottingham a Londres) su habitat natural para narrar afiladas estampas musicales de lluvia, sombras, temores, culpas y ocasos del alma. Después de diez años la vida musical de Piano Magic está más entera que nunca. Elocuencia vasta y reconciliadora que salpica las preocupaciones de siempre pero con el aliento fértil de una madurez más sensible, más sabia, más dolorosa; Escuchar sus discos es encontrar epitafios emocionales que necesitas: basta evocar ese título vehemente de desamparo (Music Wont Save You From Anything But) Silence del disco Writers Without Homes del 2002) para saber que la música de Piano Magic es una materia prima luminosa y exacta. El nuevo disco de Piano Magic se encuentra en el horizonte de siempre (una intensa obsesión con los fantasmas que recorren/comulgan en las calles de Londres en bancarrota emocional) pero ahora con nuevos ecos en la produccion que corre a cargo de Guy Fixsen (excelso cómplice de Laika, Moonshake)

Porque desde el primer track la ciudad se sabe con seguridad que la ciudad es el caluroso hogar de los espectros. The last Engineer nos recibe con la aseveración: I feel alone in the city/I feel alone in the crowd/I try to listen to reason/But the city is too loud y de inmediato se percibe que el pathos generoso de la geografía de Glenn Johnson sólo tiene el camino abrasivo de la nostagia para construir puentes. Desde el inicio sabemos que el nuevo disco de Piano Magic es el retrato inmutable de la arquitectura de cualquier ciudad para explorar la fragilidad, plasticidad precariamente iluminada por la esperanza. El segundo track, con las hermosas vocales de Angele David-Guillou, England's Always Better (As You're Pulling Away) muestra los pliegues de las calles que no nos abandonan en ciertas lluvias. La canción tres, la hermosa Incurable, originalmente del hermoso EP del año pasado, suena más clara e incandescente en su nueva versión. Ninguna de las diez canciones que componen este disco tiene desperdicio: se encuentra un sarcasmo brutal en Soldier Song, por ejemplo. Se escucha la condena sabia: Your fought for country/you fought for your Queen/Now everyone is happy...

Más canciones de abatido ambient pop: más maravillas desnudas..para que cierta lluvia suave y breve caiga siempre...

...en el sitio de myspace podrán escuchar dos claridades sonoras de este nuevo disco: para sobrevivir el resto del año...

DISCO NUEVO We Are The Night, The Chemical Brothers

We Are The Night
The Chemical Brothers
2007, Astralwerks
género: electronica, techno, dance




Es casi inútil decir que los Chemical Brothers son una chingonería. Es un lugar común, es casi vulgar.

And still, i'm gonna do it again.

We Are The Night, su séptimo LP oficial, los encuentra en un momento extraño de la escena electrónica, con Dan Deacon, Justice, los Midnight Juggernauts (entre otros) sueltos por el mundo. Esta nueva camada de beat-poppers enfermitos de funk se propaga rápidamente, más rápido de lo que puedas ahorcar al DJ. No me tiren de loco cuando digo que viene una nueva ola de dance para arrasar con el indie. Los Decemberists del mundo deberían preocuparse.

Ellos, los Chemicals, no están preocupados. De hecho, están más comodos que nunca en su lugar de superestrellas del techno. Diez años después de su boom, han creado un disco redondo, retro y clásico a la vez. Las colaboraciones no pueden faltar y en esta ocasión reclutan de chile, mole y pozole: el emo de The Klaxons, el indie de Midlake y Willy Mason, el hip hop sucio de Fatlip y el pop de Ali Love.

Seguros de ser los únicos sobrevivientes de ese rave malviajoso noventero, parecen estar jugando con el mundo como juega un gato con el cadaver de un ratón. Saben que sus rolas son pegajosas, saben que la gente los recuerda con cariño, saben que pueden poner a bailar a cualquiera (hasta al mundo árabe completo, según el video aquí adjunto, y vaya que esos musulmanes no se andan con chistecitos) y en WATN se desafanan de las actitudes mamonas, ofreciendo puro placer bailable, un madrazo de MDMA hecho sonido.

El disco entero es una alarma para despertar a todos aquellos dispuestos a subirse a la pista de baile: el arte sicodélico disfrutable en un viaje de ácido, los títulos alusivos a la noche de fiesta como The Salmon Dance, Saturate, Harpoons, A Modern Midnight Conversation, The Pills Won't Help You Now...

y por supuesto, Do It Again:



They have. And succeeded again as well.

Si usted, incrédulo lector, duda de mi predicción sobre la próxima moda musical, concédame dos minutos de su tiempo y lea la temerosa, flamígera y envidiosa reseña de los gurús del indie, Pitchfork Media. El pellejo ardido de gallina huele hasta acá.

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: Dark one de Alsace Lorraine

Dark one
Alsace Lorraine
Darla
2007

...el sabor de la desilusión...


El talento para despedazar una voz hermosa...

El cansancio es llegar a la canción seis (one day, far off, if the world forgot, sin duda una de las mejores canciones del disco): y saber que no estás escuchando un disco de Magnetic Fields sino una buena canción que sorprende por una vehemencia lacónica entre tantas canciones sin credibilidad alguna, sin ninguna depuración, porque ahí se queda todo: en el intento de asirse de la hermosa voz de Isol y no llegar a ningun horizonte espléndido...porque es imposible aguantar la voz, sin gracia, de Paul Francke y escuchar una línea patética que reza: When I was 17/I had a telling dream en la gris canción Call for Papers. Porque lo que se puede encontrar en el nuevo disco de Alsace Lorraine son acordes maltrechos sin temperamento, sin fibra encantadora.

Creer que escucharás la hermosa voz de Isol... y lo único que encontrarás es una voz que no lleva a ningun puerto de melancólica pureza. Descubrir que el nuevo disco de Alsace Lorraine es sólo una tímida evocación de acordes a la Black Tape for The Blue Girl, pero lo que más intriga es que el proyecto de Alsace Lorraine se pierda y asfixie en laberintos de guitarra sampleados a la Other Two. Llegar a la canción ocho, Claire, para saber que ya los cabos sueltos son imposibles de escuchar y soportar. Y de pronto agradecer que la canción nueve (Stormy Sky) se vista de un paisaje cambiante en la guitarra y saber que la Isol que conoces está ahí... sólo que el encanto dura dos minutos. Y llegar al final del disco para escuchar la mejor canción de todas (The Tall Grass, pero antes hay que soportar una tediosa canción como Burden Down en la voz insufrible de Paul Francke) pero lo triste es que esa canción vale la pena ... en un mix de Robin Guthrie (con todo la vena Cocteau Twins) y sabes que la voz de Isol puede ser un mar doloroso en inglés y que casi todo el disco Dark One es una divagación tan dispar, poco original con teclados inanes que minimizan el alcances de esa hermosa voz...y no saber cómo es posible que la mejor canción se disipe en dos minutos!

Una obra con un pulso bajo que no alcanza para sobrevivir una tarde de domingo. Sólo para saber que la discografía de Entre Ríos vale oro.

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO:The Last Holy Writer de Blue Trembling Stars

The Last Holy Writer
Blue Trembling Stars
Elephant
2007

Puede haber dos formas de acercarse al pop de los ochenta. La más patética es tararear la tonada de Sussudio de Phil Collins, pensar que Duran Duran son perfectos y que Bruce Hornsby es un pianista consumado. Para fortuna nuestra hay otro camino. Una escuela de bandas ha logrado acumular la melancolía de los pequeños sonidos, de los breves coros de los ochenta (grupos como Prefab Sprout, Human League, Visage, Japan son las banderas de los sonido de ahora, si no me creen hay que echarle un ojo a la canción No Cars go de último disco de Arcade Fire para saber que es un plagio soberbio de la canción King of Rock and Roll de Prefab Sprout hasta con los mismos coros de Wendy Smith) Por eso se agradece el regreso del pop melódico, el de la esplendorosa melancolía. Bobby Wratten y Beth Arzy siguen sonando tristes en sus cantos al mar, en sus recuentos de los ocasos pasajeros que alimentan la tragedia de una foto borrosa, de cierto un color de cielo que nos aniquila: porque todos tenemos palabras que no se nos pueden pronunciar, nos dejó escrito Thomas Bernhard... Basta escuchar la canción dos (Idyllwyld) para saber que una simple estructura elemental (base de guitarrra shoegazing/verso/coro post Slowdive/ Mojave 3 en la voz de Beth Arzy) puede convertirse un espectro encantador. El nuevo disco de Blue Trembling Stars no es el descubrimiento del pop imaginativo para volverlo en mitología venerable. No. Cuando suena la canción tres (Sacred Music en la voz de Bobby Wratten) sabemos que la fuerza de gravedad es una coartada ensoñadora para permanecer guarnecidos en la vida (y siempre con esos coros discretos a la Prefab Sprout con teclados, que más que nada son fulgores electrónicos dosificados estéticamente con arreglos de cuerda relucientes). The coldest Sky tiene como subsuelo una guitarra deslumbrante a la Johnny Marr para dejar en caída libre la voz de Booby Wratten que canta de la misma manera contenida de siempre. Un disco de Blue Trembling Stars sacude por la furia de los tímidos detalles electro pop para contar las insaciables/envidiables historias del mismo color, del mismo dolor. ¿Pero qué importa? el recogimiento de ellos sigue siendo la calidez de la inteligencia en una melodía simple.

En su sitio bondadoso de myspace podrán escuchar una de las mejores canciones pop del año: Idyllwyld junto con November Starlings, This once was an island y The Tenth of Always...los mismos trucos musicales de siempre, la misma delicia.

UNNECESSARY NOISE: En busca del sonido perdido I.

Unnecessary Noise: En busca del sonido perdido
Guión y selección de Evelio Rojas
Mezcla, voz y posteo de Yours Truly

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: Boxer de The National

Boxer
The National
Beggars Banquet
2007




...un disco de aguda mirada sobre el polvo, sobre la refulgente desesperación, sobre la oscuridad que no daña, pero que oscila entre lo efímero y el filo de la pereza.

Después del ocaso de Interpol (Turn on the Bright Lights se quedará como uno de los debuts más extraordinarios de la década) que ha terminado es un aburrido segundo disco (Antics) y un autoplagio notable en el tercero (Our Love to Admire, 2007, en fila para ser reseñado algun día de estos por su servidor) sólo quedan las huellas. Boxer de The National es una revisión saludable sonido de Joy Division, Wire (especialmente el opening track Fake Empire), Sonic Youth hasta Interpol. Pero recordar estas bandas no es ningunear el talento de Matt Berninger (letrista de The National) y compañia, ya que la letras de Matt Berninger son escenarios de abandono, decadencia glamourosa o cualquier confirmación del vacío abismal que se encuentra en cualquier calle de una inmensa ciudad, pero que arrebata con detalles cotidianos provocativos que sólo quedan en la memoria para que recordar que estamos, al final de cuenta, en agonía latente (Brainy):

I’ve been draggin around from the end of you coat for two weeks,
Everywhere you go is swirlin, everything you say has water under it,
You know I keep your fingerprints in a pink folder in the middle of my table
you’re the tall kingdom I surround
think I better follow you around


Emociones que se amplifican hasta tener la certeza de:


Turn the light out say goodnight
no thinking for a little while
lets not try to figure out everything it wants
It’s hard to keep track of you falling through the sky
we’re half-awake in a fake empire
we’re half-awake in a fake empire

Fake empire (inmejorable opening track: una canción abrasiva/bautismal) abre un disco coherente en sus imágenes dispersas: espejo de un sonámbulo abocado al desastre. The National ha logrado conjugar influencias para elaborar un ámbito intermedio donde hay un calor, un perfume que espera casi póstumamente (Green Gloves)

Falling out of touch with all my
friends are somewhere getting wasted,
hope they’re staying glued together,
I have arms for them.


Los cuarenta y tres minutos de este disco están llenos de intensidad en la guitarra (a cargo de Aaron y Bryce Dessner) para bañar un universo sombrío con misterio. Canciones/súplicas de cansancio/separación donde caben los temores más burdos (Apartment Story):


we’re so disarming darling, everything we did believe
is diving diving diving diving off the balcony
Tired and wired we ruin too easy
sleep in our clothes and wait for winter to leave


Un disco maduro con un bagaje cotidiano desbordante de inclinaciones poéticas. Una sorpresa agradable.

En su sitio de myspace podrán escuchar los dos primeros tracks (Fake Empire y Mistaken for Strangers) de este disco benigno.

5 para bailar

Otro episodio del podcast de las niñas y las mamaces.

Bailar me hace sudar, bailar te hace brillar, vamos a bailar y vamos a gozar.

1. Friday at The Rex - Jay Jay Johanson
2. I'd Rather Dance With You - Kings of Convenience
3. Twist and Shout - The Beatles
4. Get Dancey - New Young Pony Club
5. Upon This Tidal Wave of Young Blood - Clap Your Hands and Say Yeah

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Disfrútenlo.

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: La vida de Mus

Mus
La Vida
Green Ufos
2007

ay de mi, que me oscurece..
Mus

...ladies and gentlemen: en 2007 no escucharán un disco tan melancólico y exacto en sus imágenes mayúsculas de desamparo como una segunda piel...

Después de diez años de aparecer en la escena musical Mus, dúo formado por Fran Gallo y Mónica Vacas (debutando en 1997 con el EP Zuna) ha alcanzado una madurez excelsa. Pero no sólo eso, tal vez en esta ocasión han creado casi una obra de arte, un pop tan suave, tan delicado como una luz inaudible. El disco La vida no un conjunto de doce canciones: eso es demasiado vulgar. Estamos frente a una colección de acuciosas acuarelas musicales que abarcan todo las sombras, todos los ocasos; Esta no es una obstinada metáfora, porque no existe otra manera de explicar (¿se podrá?) un legado transparente de este disco de Mus. Los incrédulos arrogantes (que nunca faltan y presumen haber escuchado todo) dirán que la voz de Mónica Vacas es un vil remedo de Hope Sandoval o que en lugar de escuchar el nuevo trabajo de Mus se esconden en la discografía de Mazzy Star o de Mojave 3. En la música nunca hay que perder la capacidad de asombro para valorar a los grupos tienen raíces profundas, pero que también aportan nueva sensibilidad enriquecida. Claro que Mus le debe a Mazzy Star. Pero eso no es un defecto. Es gratitud musical y no otra cosa. En pocas palabras La vida es un ser de aurora, de imágenes solitarias en un camino de cincuenta minutos. Un sueño atemporal/homenaje a la lírica asturiana y por eso la canción inicial (Per tierres baxes) se basa en un poema popular para recordar a los montañeses que tuvieron que abandonar su tierra. La canción inicial marca el tono del disco: un esbozo de soledades extrañamente magnéticas que se mueven en un ambiente campestre. Recordemos la breve discografía de Tarnation y sus crónicas de carretera y viento para saber que el lugar de origen es un mapa inmenso donde caben todas las historias, todos los desencuentros. Mus recurre al cobijo de Asturias para crear una orografía de alma (Animas del purgatorio) o el golpe seco de un sueño (Una estación xelada). Fran Gallo y Mónica Vacas han creado un acuarelas para cerrar los ojos durante cincuenta minutos. Y al abrirlos, los nuevos matices del cielo rozarán la felicidad en asturiano...

... un ascetismo extraño de luz...y aparentemente es el último disco de Mus. Si es así, cuánta elegancia en la despedida...

per tierres baxes, Mus

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Que me oscurece: Mus

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EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: At the End of Paths Taken, de Cowboy Junkies

Cowboy Junkies
At the End of Paths Taken
Zoe Records
2007

¿Por qué es necesario un nuevo disco de Cowboy Junkies? Porque después de veinte años en la escena musical nadie esculpe canciones como estos canadienses. La voz de Margo Timmins (cómplice y presta al influjo de la guitarra de Michale Timmins) no se cansa de contar historias de las sombras en la madrugada (Brand New World) :

to lie in wait
as the shadows and the shapes
spill across the walls
like a river
deep
in spate.

4am.
Dark reality.
Brand new world
and my heart
is missing

Cowboy Junkies siempre han caminado en las tortuosas tonalidades nocturnas que parecen medir el tiempo y abruman en esos segundos eternos de las madrugadas solitarias (Spiral Down):

I’ve laid it out on paper,
instructions of what to do,
as my mind begins to waver,
losing contact with you

Una demoledora descarga de pausados arreglos de cuerdas que se toman su tiempo para entrar (como en el track Brand New World). He aquí la presencia de un sonido que ha madurado, con acústica reluciente que va directamente a la yugular porque se nutre de la desesperanza de lo efímero y siempre con una base de cuerdas. Blue Eyed Saviour puede ser una escalofriante hojarasca de otoño porque

Listen to my wide eyed bundle.
Listen to them assail the night.
Lost again in their caves of wonder,
leaving us alone outside.
And I can barely stand the simple pleasure,
each breath carrying just a little more weight.
As I bend to adjust the comforter
I think, “hope: the belief that loved ones will never die”
I’ve never heard such nonsense,
I’ve never heard such lies

Después de veinte años Cowboy Junkies siguen siendo reincidentes de las historias de despedida, de la cama tibia, de la búsqueda del Salvador (emocional, no espiritual), sobre las historias paternas que arrojan luz perenne (la canción Follower 2, es un destellante himno al padre a punto de estallarle el corazón, bellísima en verdad). Pocos discos logran sacudir con arpegios intimos y con una voz femenina curtida con ese mirar que lo abarca todo.

Porque al final de los caminos siempre hay crepúsculos que no se equivocan.

Brand New World: Cowboys Junkies

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