PARA LA HISTORIA UNIVERSAL DE LA INFAMIA: Heroes del Silencio Vs. The Mission UK, The Sisters of Mercy y The Fields of the Nephilim

Ustedes disculparán, pero es que esto es adictivo. Como las adicciones, lugar común. Cosa discutida cuando uno estaba en la secundaria (dato: yo empezé esa más bien horrenda etapa de la vida de cada quién en 1998). No debe quedar duda de dónde viene el tempo, la voz profunda, la estructura intro-hook-coro, el bajo omnipresente, la atmosferita oscurita del principio. Quizá los Héroes agregaron una guitarrita zaragozana por ahí, como para sonar auténticos, igual que los Caifanes introdujeron sonidos "autóctonos". Por supuesto, para variar, y como en el ejercicio anterior, se trata de una versión "hispana" "watered-down", es decir, simplificada, higienizada, bonita para pasarse por la tele sin asustar a nadie. Aquí los cowboys cybergóticos se han convertido en tristes bailaores añoradores de la lírica lorquiana (el duende, el duende). Del stage al tablao. De Allan Poe a Quiroga: puro gótico para lectores Sepan Cuantos. Pero la estructura, la estética es tan similar que no hay lugar para coincidencias. Los ejemplos deberían bastar. Que queden como testimonios de una época que no volverá jamás.

Y ustedes díganme si no. Talk amongst yourselves.

Héroe de leyenda



Severina


Lucretia My Reflection


Preacher Man


Entre dos tierras

PARA LA HISTORIA UNIVERSAL DE LA INFAMIA: Git Vs. Joy Division

Inauguramos esta sección dedicada a ejercicios de escucha comparativa, buscando develar los tejidos invisibles que han hecho del rock en español, hasta ahora, una especie de patético remedo del rock anglosajón.

Comenzamos con este clásico. No sólo la entrada percusiva, sino lo que en Joy Division -aquí interpretado en cover por Nine Inch Nails- es bajo aquí se vuelve guitarra y luego hay una alternancia. Pero el motivo principal que hace a la canción "de" Git reconocible es, claramente, un remedo del sonido de Joy Division. Claro, le agregaron la sincopita (no vayan a sonar a Soda Stereo), pero el motivo principal y la base cuatro cuartos tiene ecos verdaderamente de ultratumba (pobre Ian, pobre Ian). Si no me creen, nomás canten "they keep calling me" -o mejor aún, si tienen broadband, pongan esa parte del video de NIN al mismo tiempo- al comienzo de la canción y ya me dirán si no. (Recordemos que el buen Trent alenta el tempo de la original, y que en gran medida "limpia" el sonido de la distorsión original... pero ustedes súbanle -o bájenle- el pitch y verán que la escructura es la misma). Quién lo diría... ¿verdá, compadre?

Git:



Joy Division, en versión de Nine Inch Nails:

RESEÑA Muse @ Palacio de los Deportes; 12 abril 2007

NOTA ACLARATORIA: A su servidora no le gusta Muse (y a nuestro honorable blogmaster tampoco), no fui al concierto, no me sé las canciones y realmente nomás no me late, pero como el propósito de este blog es reseñar cuanto show musical pase por esta ciudad o por las ciudades en donde andemos los colaboradores, he aquí la reseña del concierto de Muse que yo NO escribí, el crédito es completamente de la señorita Sandra Ortiz, y he aquí su texto íntegro:

Por fin llego el día y yo desde hacia una semana contaba los minutos para este concierto...

No tenía boleto de pista, damn! pero llegaron a mi mente flashbacks de las veces que casi muero apachurrada en pista al ver a Interpol, Incubus , YYY´s etc, y me resigné a mi decente lugar numerado y con silla.

Sí claro, por MUSE lo que sea, pero mi cuerpecito de apenas 1.56 de estatura no tolera otra multitud de esas...

Bueno por fin llegamos al Palacio a las 8:30 aproximadamente, apenas se empezaba a llenar... claro a excepción de pista que ya estaba a la mitad de su capacidad. ¡La espera me mata! mis pies temblaban involuntariamente esperando el momento en que Muse tomara el escenario.

9:30 p.m. Se apagaron las luces y todo el Palacio rugió cuando se escucharon los primeros acordes de Take a Bow, pieza dramática que abre el Black Holes and Revelations y excelente opening para la noche que nos esperaba.

Hysteria (una de mis personal faves) le siguió y la banda se prendió de inmediato. Continuaron con Supermassive Black Hole y Map of the Problematique, muy ovacionadas, pero lo bueno apenas comenzaba.

Butterflies and Hurricanes para demostrar el virtuosismo de Matt Bellamy (que bueno, lo demostró durante todo el concierto) rifándose con la guitarra y el piano en el interlude de esta pieza... pero el momento merol llegó con Asassin, ¡ahí sí la banda se prendió en serio! veía el headbanging a mi alrededor y la emoción en general de todos los presentes.

Continuaron con Sing for Absolution(de las lentas pero megadramáticas, otra fave que casi me hace llorar por cierto, luego vino Citizen erased, pa los conocedores, Hoodo medio floja, y empezaron los hits con Feeling Good “It´s a new dawn, it´s a new day, it´s a new life, for me, and Im feeling good” todos los asistentes cantaban…

Matt Bellamy andaba muy platicador esa noche, muchos "gracias" en un español un tanto raro, y cuando, después de interpretar maravillosamente Sunburn, dijo algo así como: "la siguiente canción es Starlight" ¡¡¡ufff ya se imaginarán los gritos!! y pa los fans de tres días que escuchan Alfa seguro fue el highlight de la noche. Fue la mas coreada, eso segurito.

Después vinieron Time is Running Out y New Born, la banda se retiró dejando a un público extasiado y con ganas de más y más Muse.

Regresaron del primer encore con el calm momentum, empezando con Soldier´s Poem e Invincible (con todo y celulares y encendedores iluminando el domo), también de las que tooodos cantaron y rockeando a más no poder con Stockholm Syndrome.

Segundo encore: City of Delusion con todo e invitado especial, según yo era un mariachi que contrataron esa tarde en Garibaldi para que les hiciera el paro con los arreglos de esa rola, ¡sonó increible! Después no podía faltar Plug in Baby y no sé por queé supuse que iban a despedirse con Knights of Cydonia, a eso llamo yo cerrar con broche de oro... sobretodo la parte donde se reflejaban en las pantallas del escenario las frases.

"No one´s going to take me alive

The time has come to make things right

You and I must fight for our rights

You and I must fight to survive"

Para mi gusto faltó Muscle Museum, Apocalypse now, Showbiz… bueno ¡faltaron muchas! es difícil decidir tus canciones favoritas con grupos como MUSE, que TODAS las canciones son tus favoritas.

Creo que lo mejor de este concierto fue el sentimiento en general de la banda que acudió al Palacio, los verdaderos fans que como yo, llevamos aaaños rogando que se nos concediera la visita de MUSE, ese feeling de ¡¡POR FIN!! y que mantuvo a los asistentes con una sonrisota de oreja a oreja durante la hora con 57 minutos que duró el concierto.

Mis grupos favoritos decia yo eran Interpol y Muse. Cuando vi a Interpol (twice) dije OK, es de los mejores conciertos de mi vida...

Ahora digo, con todo el respeto que Paul Banks y compañia merece: ¡Son unos pussys comparados con MUSE! ¡Todos son unos pussys comparados con MUSE! (excepto tal vez NIN)... es increíble el espectáculo que dan sobre el escenario, no en vano tanto premio de Best Live Act que han recibido de NME, MTV y BRIT Awards, nomas por nombrar algunos...

Mi veredicto: Muse hizo vibrar a México, ¡literal! Unas horas despues del concierto se registró un un terremoto de 6.5 grados en la escala de Richter. No cualquier grupo/concierto causa ese efecto…

Y esa fue la reseña de Muse según Sandra, la fan from hell. Espero sea de su agrado... quejas, sugerencias, comentarios, propuestas de matrimonio y demás favor de dirigirlos a ella.

Gracias por su atención y esperen en breve (por fin, después de semanas) el review de Juana Molina que por diferentes razones incontrolables no he podido subir.

EN BUSCA DEL SONIDO PERDIDO: Complete Music for Prepared Piano, John Cage

John Cage (piano: Giancarlo Simonacci)
Complete Music for Prepared Piano (3 cds)
2006
Brilliant Classics
Clásica Contempóranea

If we had a keen vision and feeling of all ordinary human life, it would be like hearing the grass grow and the squirrel's heartbeat, and we should die of that roar which lies on the other side of silence.

George Eliot

Deslumbrante.

Lanzado a finales de septiembre del año pasado por el sello holandés Brilliant (que desde hace un par de años ha puesto a precio asequible clásicos en versiones que resultan ser unas joyas por la calidad de la interpretación. Yo confieso uno de mis hobbies de fin de semana: entrar a una tienda de discos para ver qué boxset de la Brilliant me voy a encontrar) Desde hace unas semanas se encuentra en los anaqueles un boxset de tres discos de John Cage: Complete music for prepared piano cuyas interpretaciones están a cargo de Giancarlo Simonacci (sobra decir que éste boxset no pretende igualar la magna recopilación de la obra completa para piano de Cage de 10 cds a cargo del sello MD & G cuya interpretación integra corrió a cargo de Steffen Schleiermacher de forma paciente) Sin embargo, estos tres discos nos llevan al otro lado del silencio porque la obra de piano preparado de Cage es una búsqueda consagrada a la serenidad del pensamiento musical y lejano de la inspiración romántica. Es una obra en la búsqueda del doppelgänger del silencio que late en las ínsulas extrañas con otro tempo. Silencio contenido y desbordando temperamento de refinada musicalidad que nos ofrece una distancia sonora inquietante. El cd 3, por ejemplo, ofrece una soberbia grabación de Works of Calder (1949-1950) que en su segunda parte nos ofrece todos los caminos posibles de la obra de Steve Reich y que muestran la obsesión musical de Cage con ciertos quebrantos musicales: una pulcra serenidad en impasse. El cd 2 ofrece todas las Sonatas e Interludios: páginas necesarias para llegar al silencio de Brian Eno; páginas musicales que han dado origen a los timbres electrónicos del silencio en estado puro: he aquí la hondura de la belleza que no explota. Tres discos que muestran atisbos del exhuberante pensamiento de John Cage y sus infinitos acentos que han arropado cualquier sampler/guitarra/cuerda desde hace más de cincuenta años. El silencio agita corrientes profundas serenamente.

DISCO NUEVO Carnavas, Silversun Pickups

Carnavas
Silversun Pickups
2006, Dangerbird records
Género: Indie, rock.

Ya había escuchado la leyenda urbana de que los 90´s estaban a nada de regresar pero no la quería creer, así que eliminé ese dato/amenaza de mi cabeza y seguí con mi vida pero ¡uh-oh! apenas empezó este año y las señales se fueron haciendo más claras: la revista NYLON de la cual soy fan me sorprendió hace un par de meses con una foto de Sienna Miller en la portada luciendo unas Doc Martens y un outfit super noventero, al abrir la revista y seguir leyendo tendencias veo a muchas modelos con zapatos de plataforma, mujeres más curveadas y muchos colores que me remontaron a cuando lo in era usar jeans de colores (¿cómo nos atrevíamos?), una sección de how to donde enseñaban a maquillarse como la chica de Dee-Lite y mientras leía tales flashbacks por alguna razón recordé que no había escuchado como debía el disco Carnavas de Silversun Pickups que me habían recomendado y estaba ocupando espacio en mi computadora.

Y que lo escucho y re-escucho y sí, efectivamente, los noventas han regresado con esta banda y su rock light que me remontó a Toad the wet sprocket, Gin Blossoms, Candlebox y grupos por el estilo. Tienen esa onda musical pero sazonada con el característico toque indie con el cual ya estamos más que familiarizados, si no es que hasta un poco hartos.

Los tres chicos y chica bajista de Silversun Pickups lograron demostrar sus influencias musicales de la adolescencia casi a manera de tributo en este disco que está lleno de canciones con ritmo y temática que a la mayoría nos remontarían a la secundaria o preparatoria o cuando podíamos pasar (por lo menos yo sí) horas viendo MTV día y noche esperando la "nueva" música, claro, eso cuando MTV Latino apenas empezaba y aún era respetable y realmente se enfocaba a enriquecernos musicalmente.

Carnavas es un disco ameno para escucharse de principio a fin, pero tiene tracks que sobresalen por mucho y seguro llegarán a ser hits en la radio en breve, canciones como "Melatonin", "Little lover´s so polite", la calmada "Three seed" y el sencillo "Lazy eye", que para estos momentos ya debe ser todo un éxito y parte del soundtrack de The OC o alguna serie similar, y si no me creen aquí está el video. Pónganse sus camisas de franela, rompan sus jeans, despeinen su semi largo cabello y siéntense a ver a la sensación del nuevo retro.

DISCO NUEVO The Magic Position, Patrick Wolf

The Magic Position
Patrick Wolf
2007, Polydor
género: rock, electronica, chamber pop


¿Triste o contento? ¿Cómo les gusta más su rock? Yo soy de la opinión que cada artista tiene su nicho, y cuando intentan cambiar de giro, cosas terribles ocurren. Ejemplos sobran: cuando Robert Smith se metió unos prozacs y sacó The 13th, cuando Tori Amos dejó de estar enojada con The Beekeeper, cuando Belle & Sebastian se deprimieron y sacaron Fold Your Hands, Child...

Nunca había visto un experimento sentimental tan exitoso como el nuevo disco de Patrick Wolf, un trovadorcillo electrónico que había hecho un par de discos depresivos y lánguidos para luego sorprendernos con este The Magic Position.

Sin decir ahí les voy, el lobo se pinta el pelo de naranja, se viste de vaquero-elfo- disco dancer y se lanza a una odisea de felicidad negruzca, como un episodio de Aeon Flux donde todo parece alegre... demasiado alegre para estar bien. El mejor ejemplo está en el track que le da disco al nombre, donde Wolf canta:

"It's gonna be a beautiful day, so too the blue birds say, as I take your hand and you take my kiss and we take the world... 'cos out of all the people I've known, the places I've been, the songs I have sung, the wonders I've seen, now that the dreams are all coming true, who is the one that leads me on through... It's you! Who puts me in the magic position, darlin', you put me in the magic position to live, to learn, to love in the major key."

Letras tan cursis jamás hubieran salido del Wolf que conocíamos, música tan grandiosa jamás se hubiera originado de su pianito Casio, pero esta vez está construida de aplausos, campanas, violines, pianolas y coros infantiles. En fin, Patrick Wolf sale del capullo adolescente para encontrarse con un mundo bello y canta para celebrarlo. Para los fans del viejo Wolf, no se preocupen, todavía hay un par de canciones bajonas, pero no se claven, disfruten al nuevo Badly Drawn Boy en éxtasis del momento.

Nunca me había alegrado tanto por un artista que encuentra su propia felicidad. Esto lo supongo, pero el disco lo emana en cada canción. Más que un lobo es ahora una flor en primavera. Mejor estación no hay para escuchar este gran disco.

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Aquí, el video para el sencillo, Magic Position:

RESEÑA Cuarteto Arditti, XXII Festival de la Ciudad de México, Palacio de Bellas Artes, 31 marzo, 2007

La vulgaridad

La belleza, por momentos, fue interrumpida por la ignorancia y la insensibilidad de cierta gentuza que no tiene la menor educación para saber escuchar música, (en serio, ¿se necesita mucha inteligencia para leer el programa de mano y saber que si la pieza que dura 26 minutos se interrumpe por cualquier cosa a escasos cinco minutos de haber iniciado(en este caso por el cambio de una cuerda del violonchelo de Lucas Fels en plena ejecución del Grido de Helmut Lachenmann) no es necesario aplaudir? (a pesar del gesto de Irvine Arditti para que detener los aplausos) Fue una vulgaridad el cuarteto de cuerdas número 4 de Giacinto Scelsi con DOS interrupciones de alarma de celular de unos pelmazos que no pudieron guardar el mínimo respeto por un recinto y por el artista.

La Tormenta
La música fluyó en otro tiempo; la respiración tuvo otro hálito; la música tuvo otras coordenadas; Cristina y yo estuvimos a escasos dos metros del escenario y pudimos ser testigos de una ejecución musical crítica, sabia, sagaz con el temperamento que obliga la música con autoridad perentoria. Estar frente al cuarteto de cuerdas Arditti es ser testigo de la historia musical de la última parte del siglo XX. Es tratar de valorar el glosario que ha cambiado/asimilado las conversiones estéticas musicales heredadas del romanticismo. Mahler fue el último romántico y el primer músico moderno que sacudió el indivudalismo extremo, tal vez ha sido el impasse más tormentoso que ha dado la música en occidente: es el marco musical más pasional que ha ocurrido recientemente...

Ese es el espíritu que acompaña al Cuarteto Arditti cuya obra cumbre no puede distinguirse todavía por la constante búsqueda de nuevos caminos, de las nuevas tendencias. Sin embargo, puede destacarse su evaluación crítica de la obra de Ligeti, ¿cuántos pueden darse el lujo de haber trabajado con un visionario musical? Un cuarteto como el Kronos Quartet es un ejemplo de ejecución impecable, pero nada más (su obra cumbre, creo yo, ha sido su interpretación de todos los cuartetos de cuerda de Alfred Schnittke) Pero el Kronos Quartet no ha aportado nada al mundo de la música, nada refrescante. Incluso, un cuarteto como el Balanescu Quartet es más notorio por su osadía en inventar a los clásicos y la manera de acercarse al rock (ahí están los jugueteos con Kraftwerk y Spiritualized). Pero Arditti es la suma de un camino complejo y abundante que se nutre del silencio de John Cage, toda la teoría estética de Stravinsky/Schoenberg (pasando por la de Adorno), por la perspicacia del sonido atonal y dodecafónico. Todo eso y mucho más fue la presencia somera de Arditti en Bellas Artes. Una hermosa historia de las ideas musicales del siglo XX.

El cuarteto de cuerdas Arditti ejecutó obras que demuestran que la transgresión no ocurre, ni ocurrirá en la actitud, sino en las ideas. Una primera parte pulcrísima donde se destacó el sereno Cuarteto de cuerdas número 3 de Giacinto Scelsi que nos hace recordar los antecedentes necesarios de la obra de Witold Lutoslawski. Pero la obra que deslumbró definitivamente fue Tetractis del mexicano Manuel Rocha Iturbide: un cuarteto de cuerdas y sonidos electrónicos que durante 15 minutos invadió con delicada precisión el torrencial significado delirante de los números. Una obra atiborrada de significados siempre en fuga y que recobran el poder del número como una entidad pitagórica/ aristótelica tomada de la Fisica; ímpetus electrónicos que deslumbraron/acompañaron una ejecucion sobrenatural de cuarteto Arditti. Los samples rodearon el recinto para recordar que la música tiene otros horizontes más allá de un cd o un acetato o el escenario mismo.

Grido para cuarteto de cuerdas de Helmut Lachenmann tuvo su estreno en México después de las 7 de la noche. Unas de las piezas esenciales de la música contemporánea estuvo a nuestros pies. Un ataque violento a las cuerdas que nos acercaron a los horizontes vislumbrados por Béla Bártok, pero con un sonido atiborrado de TODOS los rincones del violín, viola y violonchelo: destellos de una musicalidad arraigada en la desmesura de una brújula que sólo encuentra camino en la posteridad. Disonancias/destellos/equilibrios sonoros que han cambiado la historia. Arditti dio un ejemplo de cómo algunas veces la emoción y una analítica imparcial pueden ofrecer una nueva escritura de salvación.